Cia Teatro da Cidade

Almas Abaixo de Zero ( Documentário)

2012-01-28T13:34:00.000-08:00

É com satisfação que divulgamos a vocês a nova produção da Coágulo filmes, o documentário "Almas Abaixo de Zero".

A produção, que será iniciada em fevereiro, acompanhará a preparação e adaptação de Tchecov pela "Cia Teatro da Cidade" de São José dos Campos/SP.

Assim, o filme será um registro dos bastidores e da estreia desta Companhia Teatral que completa 22 anos de atividade.
Já o filme será estreado em meados de outubro de 2012.

O diário desta produção pode ser acompanhado pelo blog: http://doc-tchecov.blogspot.com/,
onde serão exibidos making of's e debatidas teorias relativas à produção.

Acompanhem, participem e divulguem!

PS - Este foi o e-mail que recebemos do Fabio, que está a frente da Coágulos Filmes neste projeto, deixo registrado em nome de toda a Cia, a nossa felicidade e prazer em fechar mais essa parceria. Valeu !!!!!

Ana Cristina Freitas

Cursos do CAC Walmor Chagas 2012.

2012-01-26T18:08:00.000-08:00

Cia Teatro da Cidade realiza cursos para crianças e adultos

Proposta é trabalhar diferentes aspectos da linguagem teatral por meio de jogos e estimular o processo criativo individual e coletivo.

Estão abertas as inscrições dos cursos de teatro para crianças, jovens e adultos da Cia Teatro da Cidade de São José dos Campos. Os cursos terão duração de quatro meses e serão realizados no Centro de Artes Cênicas (CAC) Walmor Chagas (rua Netuno, 41, Jardim da Granja). As inscrições podem ser feitas pelo site do grupo (www.ciateatrodacidade.com.br).
A proposta é trabalhar diferentes aspectos da linguagem teatral por meio de jogos dramáticos, estimular o processo criativo individual e coletivo, de acordo com a realidade de cada grupo, para identificar e potencializar o que cada aluno tem de mais expressivo e único. O principal objetivo é que o aluno/ator potencialize o processo poético-criativo como um todo (corpo-voz-pensamento-emoção-intuição) para contribuir com a montagem cênica.
O curso para crianças acontece todas as quartas-feiras, das 18h às 20h, e terá início no próximo dia 7 de março. Destinado para alunos de 7 a 13 anos, o curso será ministrado pela atriz e terapeuta ocupacional Adriana Barja. O valor total do curso é de R$ 400,00.
Já o curso para jovens e adultos, a partir de 14 anos, será realizado às segundas-feiras, das 19h às 22h, e terá início no próximo dia 27 de fevereiro. Coordenado pela Cia Teatro da Cidade, o curso será ministrado pelo ator, diretor e dramaturgo Edson Gory, e o valor total será de R$ 580,00.
Informações pelo telefone (12) 3941-7631 ou no CAC, de segunda a sexta, das 14h às 20h, e aos sábados, das 10h às 13h.

O CAC Walmor Chagas se encontra no Jd. da Granja, na Rua Netuno, 41.

Treinamento, trabalho,pesquisa,treinamento,trabalho,pesquisa...

2012-01-19T09:11:00.000-08:00

Voltamos com nosso treinamento, corpos em movimento e mente sempre alerta. Esse é o lema.
Segunda dia 16/01 tivemos a visita do colega Alex Cardoso, ator da cidade que passou uma pequena temporada na Itália, ele nos presenteou com seu aprendizado, compartilhou conosco tudo o que aprendeu nos dias de treinamento dele lá fora, uma técnica vocal bem legal!
Ontem quarta-feira 18/01, foi dia de treinamento duro, e mais pesquisa para o nosso novo trabalho, assistimos o filme Dr. Jivago , recomendamos !!

Um pouco mais sobre o filme:
Sinopse
O filme conta sobre os anos que antecederam, durante e após a Revolução Russa pela ótica de Yuri Zhivago (Omar Sharif), um médico e poeta. Yuri fica órfão ainda criança e vai para Moscou, onde é criado. Já adulto se casa com a aristocrática Tonya (Geraldine Chaplin), mas tem um envolvimento com Lara (Julie Christie), uma enfermeira que se torna a grande paixão da sua vida. Lara antes da revolução tinha sido estuprada por Victor Komarovsky (Rod Steiger), um político sem escrúpulos que já tinha se envolvido com a mãe de Lara, e se casou com Pasha Strelnikoff (Tom Courtenay), que se torna um vingativo revolucionário. A história é narrada em flashback por Yevgraf de Zhivago (Alec Guiness), o meio-irmão de Yuri que procura a sua sobrinha, que seria filha de Jivago com Lara. Enquanto Strelnikoff representa o "mal", Yevgraf representa o "bom" elemento da Revolução Bolchevique.

E vamos que vamos!!!

Ana Cristina Freitas.

ESTAMOS DE VOLTA!!!!

2012-01-16T19:38:00.000-08:00

Depois de merecidas “férias”, estamos de volta á todo vapor.
Semana de arrumar a casa, logo teremos novidades no CAC Walmor Chagas, nossa sede, fiquem atentos.
Voltamos também com a nossa pesquisa em grupo para o novo trabalho da Cia. Teatro da Cidade. Oba! Trabalho novo é sempre bom! Muitas leituras sobre a vida e obra de Anton Tchekhov, agora é hora de compartilhar os conhecimentos com os colegas.
O Fim de semana foi regado de bons filmes para completar nossa investigação, recomendamos alguns títulos ja assistidos: Tchaikovsky, Peça Inacabada Para Piano Mecânico, e Arca Russa.
Essa semana tem mais filme, e o retorno do nosso treinamento.
E Viva 2012!!!!

Ana Cristina Freitas

Feliz Natal! E bom Ano Novo!

2011-12-18T21:21:00.000-08:00

Feliz Natal !!! E um ótimo Ano Novo á todos!
Nós da Cia Teatro da Cidade agradeçemos o carinho de sempre. Nosso muitíssimo obrigado!!!!!

GestaCultura realiza planejamento e qualificação da Cia. Teatro da Cidade

2011-12-14T05:25:00.000-08:00

Por meio de uma parceria, a GestaCultura, empresa que atua na busca e difusão em soluções de Gestão Cultural para empreendimentos no âmbito da Economia Criativa, iniciou um trabalho de planejamento e qualificação da Cia Teatro da Cidade, que completa 22 anos de existência no próximo ano. O trabalho da GestaCultura deve ser realizado em 12 meses e prevê a realização de consultoria, planejamento estratégico, marketing, plano de comunicação e mobilização de recursos.
E o primeiro encontro da empresa com os oito integrantes do grupo já aconteceu na semana passada, para o início do diagnóstico da companhia, que permitirá o planejamento de ações estratégicas para os próximos anos.
O encontro foi comandado por Ana Paula Galvão, uma das sócias da empresa.

Andréia Barros

Alguns registros da nossa participação no projeto "Teatro para ouvir" Sesc São José dos Campos.

2011-12-14T05:07:00.000-08:00

Fotos: Taíne Cardoso.

Alunos do Curso de Iniciação do CAC Walmor Chagas encenam Millôr Fernandes

2011-12-05T13:46:00.001-08:00

Os alunos do Curso de Iniciação do Centro de Artes Cênicas Walmor Chagas apresentarão, nesta quarta-feira, dia 07 de dezembro, o exercício cênico "O Homem do Princípio ao Fim", de Millôr Fernandes.
O elenco da Cia. Teatro da Cidade passou durante quatro meses, jogos de improviso, exercícios de criatividade, técnicas de concentração, voz e harmonia para os alunos que agora se lançam ao desafio de dar voz às inquietações do texto de Millôr Fernandes.
Além de passar um pouco da experiência de grupo da Cia. Teatro da Cidade, o curso instrumentaliza os alunos para o exercício cênico, com base na pesquisa e treinamento, fundamentos que norteiam os trabalhos da cia.
Os alunos Marcio Santamaria e Evandro Valentim também participaram do projeto "Teatro Para Ouvir", realizado pelo SESC, com a leitura de "Um Lugar Chamado Dropsie", no último dia 23/11, às 20h.

Teatro para ouvir - Domingo dia 04 no Sesc.

2011-11-29T16:30:00.000-08:00

Neste domingo dia 04/12/2011. Vamos realizar a leitura do Texto a Gaivota, nos Sesc em São José dos Campos.

Cia. Teatro da Cidade recebe Myriam Muniz para circulação .

2011-11-27T18:59:00.000-08:00

Prêmio permitirá apresentações da peça Um Dia Ouvi a Lua em nove cidades do interior de São Paulo, Minas Gerais e Rio de Janeiro.

O espetáculo “Um Dia Ouvi a Lua”, da Cia Teatro da Cidade, de São José dos Campos, conquistou o Prêmio Myriam Muniz de Circulação, concedido pela Fundação Nacional das Artes (Funarte), do Ministério da Cultura, e que possibilita a realização de 12 apresentações da peça em nove cidades do interior de São Paulo, Minas Gerais e Rio de Janeiro. Dos 24 grupos selecionados da região Sudeste, seis são de São Paulo e além da companhia, apenas mais um grupo é do interior paulista.

Cia Teatro da Cidade Participa de Especial de Natal em Tv do Vale.

2011-11-18T18:16:00.000-08:00

Atores da Cia. Teatro da Cidade participam de Especial de Natal da TV Aparecida

Os atores Wallace Puosso e Izildinha Costa foram convidados a participar do "Especial Yeshua", que conta de forma lúdica e poética, a história do nacimento de Jesus.
A proposta do projeto - que tem roteiro e direção de Felipe Pontes - é ousada e inspirada na estética da minissérie "Hoje é Dia de Maria".
Outros atores do Vale do Paraíba também participam deste projeto.
A exibição do especial ocorrerá na noite do dia 24 de Dezembro na TV Aparecida.

Teatro para Ouvir

2011-11-06T06:52:00.000-08:00

“A Gaivota” de Tchekhov foi o texto escolhido pelo grupo para participar do projeto “Teatro para Ouvir”, realizado pelo Sesc São José dos Campos. Vários grupos da cidade estão participando e as leituras abertas ao público acontecem no final de novembro. A nossa ficou para dia 4 de dezembro. É muito bom ler e depois debater o texto. Contamos com a participação dos queridos amigos atores Diego, Levi e Jean. A direção é por conta do Claudio e Atul Trivedi.

Andréia Barros

Agenda:

2011-11-04T06:19:00.002-07:00

Semana que vem estaremos na Cidade Maravilhosa!
Rio de Janeiro aí vamos nós!!!!!!

ANA CRISTINA FREITAS

O tempo passa rápido!

2011-11-04T06:08:00.000-07:00

O tempo passa rápido!

Começamos o curso de iniciação teatral em agosto desse ano e já estamos finalizando. O tempo passa rápido mesmo! Estamos na fase de montagem de uma peça livremente inspirada no texto “O Homem do princípio ao fim”, de Millôr Fernandes. Montado no final da década de 60, o texto ainda continua atual, pena que não há tempo suficiente para montar esse texto. Mas conseguimos reunir uma turma muito boa e acredito que vai sair um trabalho interessante com a opção de inspirar livremente na proposta do texto. Ensaiar é preciso e muito. Agora é correr contra o tempo. Além de mim, à frente do curso estão Adriana Barja, Vander Palma e Wallace Puosso.

Andréia Barros

Leituras "Almas abaixo de Zero"

2011-10-13T21:55:00.000-07:00

Sesc São José dos Campos, Ciclo de Leituras: Cia.Teatro da Cidade se reúne para mais um dia de estudos. Texto: A Gaivota Anton Tchekhov.

Agenda:

2011-10-07T07:53:00.000-07:00

Amanhã dia 08 de outubro ás 20h. Estaremos em Pindamonhangaba, participando do 34º Feste. Um Dia Ouvi a Lua, no Teatro Municipal.

Agenda:

2011-09-27T16:13:00.000-07:00

Oba, esse fim de semana é de SJCampos!!!! "ATENÇÃO HORÁRIO : 19H"

UM DIA OUVI A LUA , DEPOIS DA TEMPORADA EM SP, VIAGENS PARA PRESIDENTE PRUDENTE, E SANTO ANDRÉ, ONDE FOMOS MUITO BEM RECEBIDOS, TEMOS O PRAZER DE APRESENTAR PARA OS NOSSOS.

Dia : 02/10/2011 - Domingo.19h. No Sesi. De grátis. Corram para garantir os ingressos!!!!!

Postado por: Ana Cristina Freitas.

Memória, história...história, memória..

2011-07-21T08:35:00.000-07:00

Foto:Declaração de Antonio de Pádua.

Foto: Antonio de Pádua (Mercuccio)

Depois que a viúva do Augusto Boal entregou todo o acervo do "marido" para os Estados Unidos, pois não conseguiu apoio do Governo Brasileiro e nem da iniciativa privada para preservá-lo, envio para publicar no blog da Cia Teatro da Cidade um pouco da nossa contribuição da memória e história do Teatro Moderno Brasileiro. Em anexo foto do pai da Beatriz, amiga da Berna (minha irmã), que fez "nada menos" que Mercuccio, na tragédia "Romeu e Julieta", primeira montagem de Shakespeare no Brasil, em 1938. E também uma declaração de 16 de dezembro de 1954 assinada por Ana Amélia de Queiroz Carneiro de Mendonça, de que ele "figurou como intérprete no espetáculo inaugural do Teatro do Estudante do Brasil........., espetáculo esse com o qual se inaugurou o movimento de renovação da arte cênica brasileira."

Mais Visitas!!!!

2011-07-18T10:50:00.001-07:00

Ednaldo Freire e Roberto Rosa.

Silvana Abreu e Taubaté.

Jantar no Piolin. Temporada SP Teatro Coletivo.

2011-07-06T15:03:00.000-07:00

Elenco da Cia com o amigo Umberto Magnani.

Camarim do Teatro Coletivo Temporada SP e suas queridas visitas.

2011-07-06T14:58:00.001-07:00

Elenco da Cia e Bebel Barja,Berna, Tim Urbinati e o Mestre Janô.

Iná Camargo e Elenco da Cia.

Ontem começou o Curso de Férias do CAC Walmor Chagas.

2011-07-06T14:51:00.000-07:00

CONFIRAM AS FOTOS DA GALERA SUPER GENTE BOA:

Um dia Ouvi a Lua no SPTV.

2011-07-06T14:50:00.000-07:00

Acessem o link:

http://g1.globo.com/videos/sao-paulo/v/paralamas-do-sucesso-se-apresenta-no-sesc-itaquera/1551969/#/SPTV%201/Edições/20110701/page/1

Um Dia Ouvi a Lua . Na Veja e Na Bravo.

2011-07-04T10:23:00.000-07:00

CURSO DE TEATRO NO CAC WALMOR CHAGAS. NÃO PERCAM!!!!!

2011-06-29T16:52:00.000-07:00

Curso de férias no CAC Walmor Chagas.

2011-06-28T19:52:00.000-07:00

Walmor Chagas promove curso de teatro para iniciantes

Ministrado pelos atores da Cia Teatro da Cidade, curso acontece durante o próximo mês de julho, atende a jovens e adultos e tem duração de 24 horas.

Continuam abertas até a próxima segunda-feira (4/07) as inscrições para a Oficina de Férias para iniciantes na arte teatral do Centro de Artes Cênicas (CAC) Walmor Chagas, em São José dos Campos. O curso acontece no mês de julho, tem oito encontros e duração de 24 horas. Ministrado pelos atores da Cia Teatro da Cidade, a oficina será realizada as terças e quintas-feiras, das 19h às 22h, e o valor total por aluno é de R$ 100,00. As vagas são limitadas e as inscrições devem ser feitas pelo hot site http://umdiaouvialua.wordpress.com/curso/
Nessa oficina o aluno conhece diferentes aspectos da linguagem teatral por meio de jogos dramáticos, além de vivenciar um processo de criação coletiva, a partir de um determinado tema.
A meta é trabalhar a compreensão física atoral, procurando, ao mesmo tempo, estimular a criatividade e formar público crítico para o teatro. Dessa forma, a oficina oferece um caminho que vai do conhecimento pessoal até a relação com o outro, principalmente em processos de criação.
A Oficina de Férias poderá ter continuidade, caso haja interesse dos alunos participantes.
A Cia Teatro da Cidade de São José dos Campos completa nesse ano 21 anos de existência e produziu 18 espetáculos, percorre diversas cidades do país e já recebeu mais de 80 prêmios em festivais e mostras do Brasil. Atualmente, está em cartaz com a peça “Um Dia Ouvi a Lua”, de Luís Alberto de Abreu, que recebeu o prêmio CPT 2010 de Melhor Espetáculo do Interior do Estado de São Paulo.
O CAC Walmor Chagas fica na rua Netuno, 41, Jardim da Granja. Mais informações pelo telefone (12) 3941-7631, de terça a sexta-feira, das 14h às 20h.

Contatos para a imprensa:
Central Comunicação
Andréia Barros – (12) 3921-5367 ou (12) 7814-9934 // ID 99*15242
E-mail: andreiacentral@gmail.com

3 estrelas na Veja.

2011-06-25T23:13:00.001-07:00

Link da revista Veja: http://vejasp.abril.com.br/teatro/um-dia-ouvi-a-lua

Estréia de Um Dia Ouvi a Lua em SP.

2011-06-14T12:31:00.000-07:00

Noite mágica, casa cheia... Quem não viu tem que correr!!!!

Crítica

Publico, quanta gente boa.

Luis Alberto de Abreu, Iarlei, Antonieta e Dionisio. ( O Mestre e nossa equipe de produção)

Elenco segundos antes de ouvir a Lua.

O nosso querido Abreu.

Visita ao Galpão Cine Horto

2011-06-07T10:39:00.000-07:00

Nesse último final de semana (4 de junho), estivemos no Galpão Cine Horto, em Belo Horizonte, para assistir ao espetáculo Tio Vânia, com parte do elenco do Galpão. Foi muito bom (re) encontrar esse time de atores de primeira: Antonio Edson, Arildo de Barros (meu primo querido), Eduardo Moreira (nosso diretor), Fernanda Vianna, Paulo André (que também assina a Assistência de Direção), Teuda Bara, e a atriz convidada Mariana Lima Muniz.

O espetáculo está muito bom, fiel ao universo de Tchékhov e preciso na proposta realista da montagem de Yara de Novaes. Valeu a pena a peça, os amigos, BH, e passar o final de semana na estrada.

Seguem algumas fotos:

Adriana Barja e Teuda Bara

Andréia Barros e Fernanda Vianna

Eduardo Moreira, Adriana Barja, Andréia Barros e Paulo André.

Por: Andréia Barros

Nossa Estréia em São Paulo. Não percam!

2011-06-01T18:48:00.000-07:00

Ja se passaram alguns dias...

2011-05-28T10:00:00.000-07:00

E o mais importante é que, apesar de tudo e falta de tempo , continuamos numa boa!

Nossa... quanta coisa aconteceu, depois do nosso ensaio aberto com a estréia de nossos colegas Vander Palma e Izildinha Costa. Dia 17 de maio, nosso querido diretor Eduardo Moreira saiu de Belo Horizonte às 4 horas da manhã e veio para São José ensaiar. Com seu exímio relógio biológico, 14 horas já estava de prontidão para os ensaios.

Dia 17 e, no dia seguinte (18), a tarde, antes de ele pegar o avião de volta para BH, voltamos aos ensaios e aí seguem algumas fotos:

De diretor para diretor. Eduardo Moreira e Claudio Mendel.

Parte do elenco de Um Dia Ouvi a Lua com Eduardo Moreira e Claudio Mendel.

Eduardo Moreira e Claudio Mendel.

23/05/2011. Cia Teatro da Cidade abre a Mostra Sérgio Nunes de Artes Cênicas em Ourinhos- SP

2011-05-25T19:04:00.000-07:00

Izildinha Costa, Wallace Puosso, Ana Cristina Freitas, Vander Palma,Andréia Barros e Adriana Barja. Elenco de Um Dia Ouvi a Lua na entrada do Teatro.

Atores do elenco de Um Dia Ouvi a Lua na Fachada do Teatro.

Vamos Ouvir a Lua?

2011-05-11T19:46:00.000-07:00

Curta temporada em SJCampos.

Nosso CineClube ganhando a estrada.

2011-05-04T13:16:00.000-07:00

O Cineclube Magneto foi convidado a realizar uma exibição inaugural em parceria com o Cineclube Paraíso, na cidade de Paraisópolis/MG, no próximo dia 07 de maio, às 19h30.
O filme de estréia será "Orquestra de Meninos", que tem direção de Paulo Thiago e conta com Murilo Rosa, Priscila Fantim e Othon Bastos em seu elenco.
O Cineclube Paraíso é uma iniciativa do poeta e professor José Antonio Braga Barros.

Sobre o filme
O filme é baseado na história de Mozart Vieira, um jovem apaixonado por música, que nos anos 80, em uma pequena cidade de Pernambuco, conseguiu algo inusitado: formar uma orquestra de sopro só com crianças humildes da região: "Meninos de São Caetano", que passou a se apresentar nos melhores teatros do Brasil e de vários países europeus.
A história do sucesso do grupo -- e também da ira que a iniciativa provocou nos políticos locais -- chamou a atenção do veterano diretor de cinema Paulo Thiago através de uma matéria publicada em 1995 no jornal O Estado de São Paulo.

Com Orquestra dos Meninos, Paulo Thiago realiza o sonho de levar ao grande público a trajetória de coragem e determinação de um artista brasileiro.

Dia 1o. de Maio de 2011!

2011-05-02T11:56:00.000-07:00

Foto:Izildinha e Vander Palma

Foto: Andréia Barros

Foram muitos os acontecimentos pelo Brasil e pelo Mundo! Sei que somos um grão de areia, nesse "Mundão" !Dia do Trabalhador! Para os cristãos, início do Mês de Nossa Senhora! Bom, se formos pensar em Mundo, prefiro parar por aqui nas "comemorações". Mas, tudo isso, só para dizer que nesse dia, nós da companhia, também temos o que comemorar! Fizemos nosso primeiro ensaio aberto da peça "Um Dia Ouvi a Lua", com a estréia de nossos (queridos) colegas de palco Vander e Izildinha. Comemoramos o início de uma grande e longa caminhada, que ainda temos pela frente, com todas lutas, labutas, percalços, mas acima de tudo com muita Arte!!!

Aplausos Eternos

2011-05-02T11:44:00.000-07:00

Nossas homenagens ao companheiro, homem de teatro e eterno defensor das artes cênicas em nosso país: o diretor José Renato, que faleceu recentemente.

Renato José Pécora (1926-2011), mais conhecido como José Renato, é um diretor de teatro atuante na cidade do Rio de Janeiro e em São Paulo.

Foi o fundador e idealizador do Teatro de Arena de São Paulo, responsável pela montagem de "Eles não Usan Black-Tie", considerado marco do teatro dos anos cinquenta, em uma das correntes do nacionalismo no teatro brasileiro.

Aluno da primeira turma daa Escola de Arte Dramática (EAD), em São Paulo, ao terminar o curso, em 1950, propõe o formato de arena para um espetáculo. O professor e crítico Décio de Almeida Prado apresenta ao diretor o texto de Margot Jones, Theater in The Round. José Renato e Décio então escrevem, em colaboração com Geraldo Mateus Torloni, uma justificativa teórica para o projeto, apresentada como tese no 1º Congresso Brasileiro de Teatro, no Rio de Janeiro, em 1951. Surge daí, em 1955, a partir de uma garagem, a pequena casa de teatro da Rua Teodoro Bayma, o TEATRO DE ARENA DE SÃO PAULO, em frene à Igreja da Consolação, hoje Teatro Experimental Eugênio Kusnet.

Depois de décadas ausentes do palco como ator, José Renato integrou em 2010 o elenco da peça Doze Homens e Uma Sentença.

Começa curso de teatro no Hospital ViValle

2011-04-21T08:13:00.000-07:00

FOTOS:primeiro encontro dos funcionários do hospital

Teve início no último sábado (16/04) o curso de teatro para os funcionários do Hospital Vivalle, que comemora 10 anos de atuação em São José dos Campos. O curso faz parte do programa de Humanização da empresa, que prevê a realização de várias atividades, entre elas, o teatro, que será desenvolvido pelos atores Adriana Barja, Andréia Barros e Wallace Puosso, da Cia Teatro da Cidade. O curso terá duração de seis meses e acontece uma vez por semana no próprio hospital.

Nesse primeiro encontro, optamos em trabalhar jogos teatrais visando à integração do grupo. Começamos com alongamento, em seguida, exercícios de voz e corpo. Os integrantes se mostraram interessados em aprender a arte teatral e participaram ativamente dos jogos propostos.

Andréia Barros

Agenda:

2011-04-14T17:16:00.001-07:00

Bons encontros...

2011-04-14T17:11:00.001-07:00

Vander Palma, Umberto Magnani e Paulo Williams.

Ana Cristina Freitas,Andréia Barros,Umberto Magnani e Izildinha.

Na noite de lançamento do livro do nosso querido Abreu, (re) encontramos com o nosso também querido Umberto Magnani. E claro, postamos aqui como uma forma de homenageá-lo!

Entrando para a história.

2011-04-13T14:15:00.000-07:00

Foto: Andréia Barros, O mestre Abreu, Ana Cristina Freitas, Vander Palma e Izildinha.

O dramaturgo Luís Alberto de Abreu lançou na última segunda-feira, 11 de abril, na Livraria Lorena, em São Paulo, o livro “Luís Alberto de Abreu - Um Teatro de Pesquisa” e os textos “Maria Peregrina” e “Um Dia Ouvi a Lua”, montados pela Cia Teatro da Cidade estão lá no capítulo sobre o Teatro Nô. Dos três textos desse capítulo, a companhia só não montou “Um Merlin”. Mas em breve esse texto também contará com a direção de Claudio Mendel, um dos fundadores da Cia, em montagem com o ator Fernando Bezerra (Melhor ator no Festival de Cinema de Brasília 2010, pela atuação em “Transeunte”, longa de Erik Rocha).

O ator em seu cenário.

2011-04-08T17:02:00.000-07:00

Aos 80 anos, Walmor Chagas mantém o olhar aguçado sobre TV, teatro e cinema
Publicado em 17 de novembro de 2010

Ele diz que não gosta de fazer novela, mas tem quase 30 folhetins no currículo. Garante que o que ama, de verdade, é o cinema, mas ficou consagrado como ator de teatro. Vive num sítio faz quase 20 anos, mas quando sai na rua não há quem não o reconheça, em virtude da famosa cabeleira branca. Diz que a pessoa mais importante de sua vida até hoje é sua primeira e única esposa, Cacilda Becker. Em algum momento da conversa, porém, afirma com a mesma convicção que um dia se cansou de viver à sombra dela, separou-se e foi buscar sua individualidade.

Descrevendo outras preferências, informa que não aprecia os Estados Unidos nem tem prazer em interpretar em língua estrangeira, para logo em seguida incluir os norte-americanos Tenessee Williams, Eugene O’Neill e Edward Albee na lista dos grandes autores teatrais. Aos 80 anos, mais de 60 dedicados à arte de representar, Walmor Chagas é um homem de muitas opiniões. E contradições.Isolado na zona rural de Guaratinguetá, São Paulo, numa paisagem emoldurada pela Serra da Mantiqueira, com morros, colinas e recortes de cachoeiras, Walmor recebe poucas pessoas. A única filha, Maria Clara, passa por lá de 15 em 15 dias. Tem também o jardineiro e seu filho, que moram perto, além de dona Luíza, que cuida dele e da casa quase todos os dias da semana. E só. “Percebi que estava na hora de ir-me embora. O teatro brasileiro estava muito ruim”, lembra, referindo-se ao dia em que fechou o Teatro Ziembinski, no Rio de Janeiro, e construiu a casa em que vive.

Entre um Marlboro e outro – fuma em média 30 cigarros por dia –, o ator afirma que não sabe o que é sentir saudades de alguém. O que sente é falta, tenta explicar. “O ator é tão atualizado em si mesmo, tão egocêntrico, que só existe ele, não existem os outros. Então, na medida em que não existem os outros, não tenho saudades. Eu tenho um sentimento de falta. Sinto falta da Cacilda, de boas peças, de bons dramaturgos”, afirma ele.

Primeiro ato

Cacilda Becker morreu praticamente em seus braços. Durante o intervalo da peça Esperando Godot (texto de Samuel Beckett, com direção de Flávio Rangel, 1969), chegou a Walmor e disse: “Acho que estou tendo um derrame”. Ela estava, de fato, sofrendo um aneurisma cerebral, e ficou internada durante 38 dias, com Walmor a seu lado, até que resolveram desligar os aparelhos. “Fizemos 30 ou 40 representações e, na última delas, no intervalo, Cacilda se sentiu mal. Nunca fizemos aquele segundo ato. Foi muito triste. É a pessoa mais importante da minha vida até hoje. Ela e o [poeta] Fernando Pessoa são duas pessoas que eu consulto permanentemente”, diz o ator.
A primeira vez que viu Cacilda foi durante a peça Pega-Fogo (1950), de Jules Renard, sob a direção de Ziembinski (Zbigniew Marian Ziembiński, diretor polonês falecido em 1978). Foi quando chorou pela primeira vez ao assistir a uma apresentação, recorda-se Walmor, que ainda morava em Porto Alegre e estava de passagem por São Paulo. Poucos anos depois, em 1956, os dois eram colegas de Teatro Brasileiro de Comédia (TBC) e estavam contracenando em Gata em Teto de Zinco Quente quando, no intervalo, se beijaram.

O TBC era o maior teatro de São Paulo na época. E Cacilda, a maior atriz. Walmor, então, ficou em segundo plano. A princípio, feliz. “Eu gostava do segundo plano. Eu amava e acreditava nela, não em mim. Ela era maior, e as peças eram escolhidas para ela. Algumas eram escolhidas para mim, e nunca davam muito certo”, acredita ele, que também era empresário da esposa.“Farto do repertório do TBC”, que só montava peças estrangeiras, Walmor pediu dinheiro emprestado ao pai – ele “achou que o teatro era um bom negócio. Coitado, nós o enganamos!” – e montou, ao lado de Cacilda, o Teatro Cacilda Becker (TCB), em 1957. Levaram junto Ziembinski e Cleyde Yáconis, atriz e irmã de Cacilda, para fazerem peças principalmente nacionais. Mas só em 1960 o teatro ganhou sede própria, na Federação Paulista de Futebol. O TCB estreou, entre muitas, a peça O Santo e a Porca, de Ariano Suassuna, em 1958. Um dos pontos altos foi Pega-Fogo, de Jules Renard, remontagem bem-sucedida do período de TBC e mesma peça em que, anos antes, Walmor havia visto Cacilda pela primeira vez. No papel do garoto protagonista, Cacilda Becker teve sua consagração como atriz, e o espetáculo, apresentado em várias cidades do Brasil e também nos países onde o grupo fez turnê, tornou-se um clássico.

Ao todo, foram quase 30 peças encenadas pela companhia, em dez anos de existência, mas no meio disso tudo Walmor se cansou. Seria a primeira das separações da dupla. “Eu estava cansado de ser o empresário de Cacilda, desse segundo papel de ficar sustentando a estrela, de arranjar papel para ela. Pensava para onde iria a minha vida de ator. Será que seria sempre o empresário dela? Eu não queria isso. Me separei para tentar levar uma vida pessoal independente dela”, lembra Walmor, que se refugiou em Porto Alegre, mas voltou em 1964, ano em que nasceu a única filha dos dois, Maria Clara.

Papel principal

As pessoas falavam que ele se parecia com Rui Barbosa. Era magrinho e cabeçudo, segundo diziam. Por isso, Walmor se achava feio. Mas, quando subiu ao palco pela primeira vez, com Antígona, aos 18 anos, ficou feliz de poder se exibir. As luzes acenderam-se e sentiu-se bem pela primeira vez na vida. Desde então, não parou. Participou do Teatro do Estudante de Porto Alegre durante os quatro anos seguintes; tentou cursar filosofia, pois na cidade não havia escola de teatro, mas foi expulso logo no primeiro ano porque “matou Deus” e não aceitava assistir às aulas de teologia. Foi transferido para a universidade pública, cansou, fez as malas e, com o apoio da avó Clara, se mandou de navio rumo a São Paulo.

Os dois primeiros anos na cidade foram difíceis. Passou necessidades e fome até conseguir um contrato com o TBC, a “Globo da época”. Isso em 1954, com Assassinato a Domicílio, de Frederic Knott, contracenando com Cleyde Yáconis, sob a direção de Adolfo Celli, que marcou sua estreia como ator.

Embora tenha se consagrado como ator de teatro, Walmor Chagas sempre teve paixão por cinema. Mas, no começo de sua carreira, o que tinha, segundo ele, era só chanchada no Rio de Janeiro, e isso ele não queria. Teve uma estreia à sua altura, em 1965, como protagonista de São Paulo S/A, de Luís Sérgio Person, pelo qual foi publicamente elogiado por Luís Buñuel no Festival do Filme de Acapulco, México. Foi coadjuvante em vários longas, como Xica da Silva (1976), Asa Branca – Um Sonho Brasileiro (1981, com o qual ganhou o prêmio de melhor ator em Gramado) e Luz Del Fuego (1981). Mas papel de protagonista só em São Paulo S/A e, mais recentemente, em Valsa para Bruno Stein (2007), de Paulo Sacramento. “Diretor de cinema tem medo de ator de teatro, porque eles sabem dirigir o filme, mas não entendem a dinâmica mental do ator de teatro”, acredita ele, que acabou de filmar o longa Corda Bamba, de Ugo Giorgetti, em fase de pós-produção.Espectador de carteirinha do Canal Brasil, onde acompanha a produção cinematográfica nacional, o ator diz que nada tem lhe chamado a atenção atualmente, com exceção de Estômago (2007), filme de Marcos Jorge: “O filme é ótimo, conseguiu pôr no cinema o que Nelson Rodrigues colocava no teatro”.

A paz do artista

Na televisão, Walmor ainda assiste à TV Câmara e à TV Senado, diariamente: “Acho aquilo um teatro fantástico, são as melhores peças. Me divirto muito. Os políticos são atores perfeitos!”.
Walmor está assistindo a Passione, novela das 20h, da Rede Globo, mas já cansou de novo. O ator afirma não ter gostado de fazer nenhuma das dezenas de novelas de que participou. Fez só por obrigação e pelo dinheiro. “É um processo altamente cansativo e destrutivo para um ator. Transforma todos em canastrões. Não é interessante, não é arte”.Mas, entre todas as produções em que já trabalhou na televisão, cita a minissérie Os Maias (2001) como uma das melhores, apesar de tudo. “É verdade que Maria Adelaide Amaral meteu a mão e misturou Os Maias com A Relíquia e não podia ter feito isso. Os Maias é uma obra em si, mas ela achou que estava sendo criativa e que o público não ia gostar daquele drama do Eça de Queirós e colocou A Relíquia”, defende ele.

Desde que se desfez do Teatro Ziembinski, que comprou “com o dinheiro de cinco apartamentos”, em 1992, Walmor fez pouco teatro. Viveu Hamlet, de Shakspeare, em 1970, que “foi uma desgraça”, porque ele acredita que o ator só pode ser grande em sua própria língua, nunca em uma tradução. “Lavou a alma” depois disso em Porto Alegre, com o espetáculo Camões, Nosso Contemporâneo. Anos depois, em 1986, dirigiu e interpretou, ao lado de Ítalo Rossi, o bem-sucedido Encontro com Fernando Pessoa. Em 1999, participou de Um Equilíbrio Delicado e, mais recentemente, em 2005, atuou no monólogo Um Homem Indignado. “Minha vontade, com o Teatro Ziembinski, era de recuperar a cena artística nacional, mas não foi ninguém. Comecei com uma peça do Carlos Henrique Escobar, fiz uma do Millôr Fernandes, mas não foi grande coisa. Então desisti”, lembra ele, que logo depois se mudou para a casa em que mora até hoje. “O teatro brasileiro está velho, do ponto de vista da dramaturgia. Fui assistir a algumas peças na Praça Roosevelt, mas achei que eram mais sobre o escândalo do que sobre a arte”.
Hoje, Walmor tem uma vida tranquila. Curte a velhice, que acredita ser o portal da criança, por “poucas coisas divertirem a gente”, na simplicidade do interior. Em paz.
Fernanda Paola
Fotos: Marcelo Naddeo

Cia na TV Aparecida

2011-04-06T17:18:00.000-07:00

Atores da Cia Teatro da Cidade foram entrevistados pela TV Aparecida para o programa Tvendo e Aprendendo, que foi ao ar na terça-feira (05/04), às 21h20. O programa será repetido no sábado (9/04), às 12h30. E depois estará no blog www.a12.com/blog/tvendo.
Assistam!!!!!!

Teatro no Hospital ViValle

2011-04-06T17:10:00.000-07:00

Comemorando 10 anos de atuação em São José dos Campos, o Hospital ViValle lançou um programa de Humanização aos seus funcionários, para a realização de várias atividades, e entre elas, estão previstas aulas de teatro. O curso, sob responsabilidade da Cia Teatro da Cidade, terá duração de seis meses e acontecerá uma vez por semana no próprio hospital.

(Nas fotos: atores do grupo e funcionários do hospital. Primeiro contato.)

Aguardem...

2011-04-01T08:19:00.000-07:00

A Cia. Teatro da Cidade abre seu processo criativo e de investigação teatral:

RESPIRANDO NA ANTE-SALA DO MATADOURO
ALMAS ABAIXO DE ZERO

Moscou, 1897. São Paulo, 2011.
Outono-Primavera
Cena: um bar com mesas na calçada.
Na mesa, cervejas. Nada de vodca.
Cinco pessoas conversam sobre poética. Poética da cena, no teatro, na literatura. Poética da aventura russa rumo à utopia marxista.
Cinco pessoas refletem. Sobre fatos presentes. Conversas que se iniciaram a mais de um século.
Moscou é uma cidade fria em boa parte do ano. São José dos Campos é fria o ano todo. Por isso as pessoas bebem. E trabalham muito.
E não tem tempo para freqüentar teatros.
Nossa aventura não existem Mecenas. Mas tem trincheiras. E são várias.
Stanislavski, Tchekhov, Olga Knipper, Meyerhold e Gorki.
Cinco pessoas. Conversam sobre circunstancias. Nada é por acaso.
Na mesa, em meio aos copos, cartas. Amareladas não pelo tempo, mas pelo descaso.
Nossos czares-coronéis enterram planos de um futuro melhor. Que futuro?
No Brasil não há revolução armada. Na Rússia não há homens cordiais, comuns aos trópicos.
Trôpegos, traçamos uma linha imaginária com mais de cem anos e respiramos na ante-sala do matadouro.
Enquanto restar forças, gritaremos a todo pulmão.
Nossas cartas não têm truques. Nem travas na língua.
Cinco jogadores em torno de uma idéia.
Na virada do século 20, um grupo de artistas conhecidos como 'O Mundo da Arte', se dedicou à retomada da qualidade artística sob a bandeira da 'arte pela arte'.
Criaram pinturas de excelente qualidade e fizeram sentir sua influência em todos os ramos da arte, embora talvez de maneira mais expressiva no palco.

Não perca!
INVERNO DE 2011
Wallace Puosso.

Congresso Brasileiro de Teatro.

2011-04-01T07:46:00.000-07:00

Esse é o cara!

Não, não é o Lula. Falo de Ney Piacentini.
Ao finalizar o Congresso Brasileiro de Teatro, no dia de hoje (27 de março de 2011 - Dia Mundial do Teatro), permito-me chamá-lo de “o cara”, pois a sua articulação permitiu que esse encontro pudesse reunir 20 Estados brasileiros e mais o Distrito Federal. Além disso, contou no encerramento do evento, com as presenças da ministra Anna de Holanda, Antonio Grassi, presidente da Funarte, e Sérgio Mamberti, secretário nacional de políticas culturais.
A briga foi intensa, cansativa, mas no fim prazerosa. Então, no fim aconteceu a catarse de Aristóteles! O primoroso discurso do Ney, que citou o historiador Sérgio Buarque de Holanda (pai da ministra), quando descrevera a diferença entre público e privado!! E aí entra o nosso repúdio, de todo o Brasil TEATRAL, da “renúncia fiscal”. E a defesa do Prêmio Brasileiro de Teatro, que contou com a declaração de apoio da ministra!
A participação nesse histórico Congresso Brasileiro de Teatro(já que o ÚNICO aconteceu em 1979, na Aldeia de Arcozelo, no Rio de Janeiro) foi um aprendizado para todos nós. A delegação de São José dos Campos, representada pelo ator e diretor André Ravasco, teve atuação significativa no processo de deliberação e contribuiu para os avanços do desenvolvimento da área teatral no país.
Mas isso não significa que a luta terminou. Significa, acima de tudo, que a luta deve continuar de forma organizada em todos os municípios brasileiros. No caso do Estado de São Paulo, é necessário nos prepararmos para discutir e estabelecer ações e metas que nos permita avançar ainda mais, considerando a diversidade de pensamento e linguagem. Isso, acredito, foi a maior lição deixada pelo presidente da Cooperativa, que em nome da classe teatral, superou, na minha opinião, todas as diferenças em prol da unidade nacional na defesa do Prêmio Brasileiro de Teatro.

Saudações teatrais,

Andréia Barros
(Cia Teatro da Cidade de São José dos Campos, 21 anos de luta e resistência)

Artistas autoridades, autoridades artistas e a política

Por Valmir Santos

O substantivo “política” e o verbo “politizar” contrastaram no Congresso Brasileiro de Teatro realizado dias 26 e 27 de março em Osasco, sábado e domingo. Os artistas mobilizados foram hábeis no pragmatismo de resultado para influenciar o governo sobre a causa-mor dos últimos anos: ver aprovado o projeto de lei que cria o Prêmio Teatro Brasileiro, um programa ainda mais potente que o pioneiro Fomento paulistano, de 2002, dada a escala federal e a meta de triangular os suportes de manutenção, produção e circulação focalizando tanto grupos de pesquisa como produtores de espetáculos convencionais. A cúpula do Ministério da Cultura foi atraída para ouvir a Carta de Osasco e uma moção de repúdio à renúncia fiscal em plena tarde de um domingo, Dia Mundial do Teatro e justo na cidade da Grande São Paulo onde a ministra da Cultura, Ana de Hollanda, foi secretária 25 anos atrás. Estavam lá o presidente da Fundação Nacional de Artes (Funarte), o ator Antonio Grassi. O secretário de Políticas Culturais do MinC, o ator Sérgio Mamberti, à frente da Funarte na gestão passada. O deputado federal Vicente Cândido, do Partido dos Trabalhadores, interlocutor do movimento Arte contra a Barbárie na transição da Lei de Fomento pelo legislativo paulistano, o que tenta repetir em Brasília. Eis os protagonistas pisando o cenário no desfecho do encontro ancorado pela prefeitura do PT, por Emidio de Souza, colega do senador Eduardo Suplicy, também presente.

Antes da “cena final”, o congresso teve seus debates e plenárias transcorridos na manhã e tarde de sábado e na manhã de domingo. O diretor César Vieira, cofundador do Teatro Popular União e Olho Vivo (1966), traçou o histórico de mobilizações, como a última de que se tem notícia sob a nomenclatura Congresso Brasileiro de Teatro, realizada em 1979 na Aldeia de Arcozelo, no interior fluminense. Outro diretor, Luis Carlos Moreira, do Engenho Teatral (1979), pontuou as etapas de construção do projeto de lei do Prêmio, Moreira cujo ativismo foi determinante na estruturação do Fomento. O projeto de lei do Prêmio, programa que está sob o guarda-chuva do Programa Nacional de Fomento e Incentivo à Cultura, o chamado Procultura, foi discutido diante dos cerca de 200 representantes vindos de 20 Estados e Distrito Federal – segundo informam os organizadores –, sob mediação da diretora Tiche Viana, do Movimento Levante Cultural, de Campinas, onde integra o Barracão Teatro, e do ator Adailton Alves, da Rede Brasileira de Teatro de Rua (RBTR), membro do Buraco D’Oráculo, radicado na zona leste de São Paulo.

Até a chegada da comitiva do MinC, quando passava das 15h de domingo, o Congresso cometeu alguns “partos” dominicais testemunhados pelo Teatrojornal. Como a seleção de quem iria compor a mesa com as autoridades. Foram votados os atores Giancarlo Carlomagno, da RBTR e Grupo Oigalê (Porto Alegre), Marília de Abreu, da Cooperativa Brasiliense de Teatro e Circo e do Grupo Roupa de Ensaio (DF), e Ney Piacentini, presidente da Cooperativa Paulista de Teatro e da Companhia do Latão. Outro ponto de ebulição foi a redação final da Carta de Osasco, documento esboçado por uma comissão, projetado em tela e assim revisado coletivamente. Respingaram questões já discutidas à minúcia no sábado, ressentimentos diante da “arrogância paulista” que nem sempre pondera as especificidades ou necessidades das demais regiões além-Sudeste. E aqui entra o capítulo do verbo politizar. Ele foi pouco flexionado, trazendo à luz distensões quanto a uma moção de apoio ao Procultura, por exemplo, celeuma de véspera que durou até o óbvio: se o Prêmio faz parte do Procultura, impossível não apoiar o projeto de lei que tramita desde 2007, já aprovado por comissões decisivas do Congresso Nacional, como a de Educação e Cultura, em dezembro passado. Quando da sua implementação, convergirá as seguintes fontes para os recursos estimados em R$ 78 milhões e com item próprio no orçamento da Funarte: Fundo Nacional da Cultura, Fundo de Investimento Cultural e Artístico (Ficart), Vale-Cultura, incentivo fiscal e programas setoriais de artes

Mesmo o cordelista pernambucano Edmilson Santini – único cenicamente paramentado – tendo improvisado a abertura dos trabalhos às 10h de domingo lançando o mote “o remédio é conversar”, esta emperrou em vários momentos. Ânimos acirrados por questões semânticas e ortográficas, choques de interesses regionais por ressentimentos quanto à hegemonização paulista e o jeito “locomotiva” dos “artistas autoridades”, para lembrar das “autoridades artísticas” que Marília de Abreu saudou antes de ler a Carta de Osasco. Clayton Mariano, do Tablado de Arruar (SP), rogou paciência lembrando “rachas” que fizeram soçobrar a rede nacional de grupos Redemoinho, entre 2004 e 2009. “A gente tem que desarmar o clima de Fla x Flu”, conclamou o pesquisador Dorberto Carvalho, da Companhia Insurgente (SP), coautor de A luta dos grupos teatrais de São Paulo por políticas públicas para a cultura (2008), com a pensadora Iná Camargo Costa. “O resto do Brasil deve ter direito a voz”, disse o ator e diretor Nelson Bambam, do Movimento Teatro de Grupos de Minas Gerais e da Companhia Acômica, alegando a centralização dos coletivos de São Paulo e suas próprias divergências – como na abstenção da RBTR em alguns tópicos, revelando a força de articulação dos artistas de rua organizados em rede há quatro anos. A ponto de conquistar da plenária a aprovação a uma moção de repúdio pela criminalização dos artistas de rua em voga em muitos centros urbanos dada à percepção estreita de administradores públicos. “O Teatro de Rua é ferramenta importante para a segurança em nossas cidades. Onde existe manifestação artística a criminalidade diminui”, disse Grassi, da Funarte.

Em meio aos rompantes mais acalorados, boa parte dos artistas se retirava do auditório e flanava pelo corredor do centro de formação de professores de Osasco, entre cafés e bancas de livros de artes cênicas, sociologia e política. A ponto de Adailton Alves, um dos mediadores, também ontem, chamar essa turma para dentro feito um pito de professor. “Está difícil para a mesa entender as coisas aqui em cima. A gente não está conseguindo organizar absolutamente nada.” Faltava pouco mais de meia hora para a ministra chegar. Foi nesse momento que José Renato, um dos ícones do Teatro de Arena (1953-1972), sempre em seus passos mansos, adentrou o local e sentou ao lado do diretor e dramaturgo José Fernando de Azevedo, do Teatro de Narradores (SP), cujo silêncio durante toda a plenária surpreende ou revela o estado de coisas – suas intervenções quase sempre realistas eram comuns em rodas de discussões como essa, valorizando o repertório de ideias. Zé Renato, por sua vez, há meio século sentava-se com Décio de Almeida Prado e Geraldo Mateus Torloni no 1º Congresso Brasileiro de Teatro, no Rio, para dissertar sobre as virtudes estéticas e, naquele tempo, também econômicas na opção pelo palco de formato circular em que a plateia e a cena são inseridos.

Tudo isso serviu de pano de fundo à oportunidade política, esta sim, costurada por Ney Piacentini. Ele declarou ter ligado para mais de 50 deputados e senadores de comissões afins para que endossassem o convite a Ana de Hollanda para ir ao Congresso Brasileiro de Teatro. Ligou para Grassi no início da semana e, diante da possibilidade de uma “agenda negativa” da ministra por conta de sua ida ao Festival de Curitiba - a cerimônia oficial de abertura ocorreu na noite de 28 de março, segunda-feira, no Museu Oscar Niemeyer -, ele não titubeou em praguejar que seria uma “gafe” tal inversão de prioridades. Apesar da sua presença e intervenções invariavelmente tempestivas, metido em bermudas nos momentos protocolares mais improváveis – como na hora de juntar-se à mesa com as demais autoridades -, ainda assim Piacentini safou-se com os 13 minutos que disseram a que veio o Congresso Brasileiro de Teatro em sua versão 2011. Falando no púlpito, ladeado por bandeiras do Brasil, do Estado e do município, gesto largo, voz embargada, de cara ele lançou mão das “raízes” de Sérgio Buarque de Hollanda, “seu pai”, dirigindo-se especialmente à ministra. E deitou loas, aqui pinçadas e mais inclinadas a Stanislavski do que a Brecht, como parodiamos a sua Companhia do Latão:

“As raízes do Brasil estão conosco. Neste momento, podemos dizer que temos apenas uma visão do paraíso. Seu pai [nos] ensinou a diferença entre público e privado nas relações humanas. Rememoro Sérgio Buarque de Holanda para que, se não agora, imediatamente, mas que em cinco ou dez anos nós extinguamos a renúncia fiscal na cultura do país. Não se trata de animosidade com os nossos parceiros que veem na arte um negócio numa sociedade de economia aberta, capitalista. Aqueles que invistam do seu próprio bolso. Não podemos mais aceitar o capitalismo de Estado. Fim ao capitalismo de Estado no país! O capitalismo tem pernas, acredito, para sobreviver sem o Estado. [...] Nós queremos contribuir, ministra, com a Dilma. Erradicar as misérias cultura e simbólica da nação. O Prêmio Teatro Brasileiro é esforço de divisões, esforço gigantesco, de divisões doloridas [refere-se aos próprios pares do teatro em níveis local e nacional]. Na peripécia teatral desse roteiro dramático que nós vivemos aqui, não aconteceu tragédia, tampouco aconteceu o grande final, mas como o bom teatro que sabemos fazer, os pontos de vista estão em questão. Brecht está entre nós, Boal [o teatrólogo Augusto Boal, morto em 2009] está entre nós, Reinaldo Mais [dramaturgo e cofundador do Grupo Folias D’Arte, de SP, morto em 2009] está entre nós, Alberto Guzik [crítico e ator da Companhia de Teatro Os Satyros, de SP, morto no ano passado] está entre nós. [...] Os parceiros do teatro empresarial brasileiro não se escreveram [no congresso]. A gente os inclui. O Prêmio não é só para grupos e companhias, ele é para os produtores também. Não queremos nos dividir. Mas é um Prêmio principalmente para a população. Quando o empresário brasileiro pega R$ 1 milhão e cobra R$ 100, a população já pagou por esse ingresso e não tem direito de entrar nesse teatro”. Foi aplaudido pelo menos três vezes em cena aberta.

Eis o discurso político do homem que preside a Cooperativa Paulista, alheio aos deslizes demagógicos e apelando francamente à emoção daqueles que têm o poder de turno. Não se avexou, inclusive, de citar o ex-ministro Juca Ferreira (PV), lembrando dos três presidentes atores que já passaram pelo cargo principal da Funarte, nos oito anos de Lula (Grassi, Celso Frateschi), em paradoxo com a falta de políticas públicas para o setor.

Ana de Holanda, por fim, embarcou nos afetos que já a circunscrevia a um dos principais territórios de sua bagagem como gestora pública. Osasco foi seu laboratório nos anos 1980. “Aqui, eu tinha que me dar com o legislativo, o executivo, com a imprensa, ouvir críticas, saber entender, saber com quem eu estava lidando. Eu estou em Brasília, aqui era um microcosmo. Entendo que vocês têm essa característica da luta, de olhar a sociedade e ter uma visão crítica. Temos de nos lembra de nosso mestre Bertolt Brecht, do teatro dialético: não olhar só para o retrato de uma sociedade, mas para quem nela vive”, disse a ministra. “Compreendo muito bem a preocupação de vocês. O Ministério está aberto. Quero ser cobrada sempre.”

Mamberti diz ter percebido o congresso teatral como equivalente ao realizado pelo meio cinematográfico no início dos anos 2000, determinante, segundo ele, para a deflagração da chamada "virada" no audiovisual nacional em termos de produção e fôlego estético. "Eu espero que esse congresso tenha a mesma força."

Em suma, o Congresso Brasileiro de Teatro foi, antes de tudo, uma demarcação simbólica dos artistas por um Fomento federal. Levando-se em conta o contexto de contingenciamento, este sim, dramático que o MinC atravessa nesta gestão, lá se vão apenas três meses, a ocasião é de firmar pés no chão. E mais uma vez, num ajuntamento dos artistas do teatro, agora sob a rubrica científica de congresso, as noções de política e de politização (sobretudo seu déficit junto a um bocado de criadores) embaralharam-se. Novamente, fica a sensação de que as idiossincrasias ditam mais as regras do que a clareza e o raciocínio demandam. Pelo menos antes da ministra chegar e a representação entrar em cena.

(29 de março de 2011)

Fotos:

Entrevista de Fernando Meirelles

2011-03-30T17:56:00.000-07:00

Em entrevista concedida em fevereiro deste ano, Fernando Meirelles mencionou a importância dos atores para um trabalho como "360", seu novo filme.
Pouco tempo depois, Meirelles reforça seu interesse por interpretação em texto escrito em Londres, durante as filmagens de "360". Nele, o diretor comenta como foi trabalhar com o alemão Moritz Bleibtreu, ator pouco conhecido no Brasil, que trabalhou em filmes como "Corra, Lola, Corra" (1998) e "Munique" (2005). Ao descrever a forma de atuar de Bleibtreu, Meirelles destaca as sutilezas com as quais o diretor se depara durante filmagens, sobretudo quando se tem um elenco internacional, como acontece em "360", que mistura atores ingleses (Rachel Weisz e Jude Law), brasileiros (Maria Flor e Juliano Cazarré), além de um galês (Anthony Hopkins), um francês (Jamel Debouzze) e, claro, o alemão. Na situação mencionada - justamente durante a cena final da produção - o resultado foi feliz e serviu como "um presente" ao diretor. Leia o texto abaixo, escrito em 26 de março, na íntegra.

"Dirigir este filme não será muito diferente de dirigir um táxi, já percebi. A cada dia embarca um novo passageiro com um destino diferente.
Segunda-feira foi a vez do ator alemão Moritz Bleibtreu entrar no barco. Fui encontrá-lo em seu hotel depois do nosso primeiro dia de filmagem. Conexão instantânea. Em 10 segundos estávamos falando do seu personagem e sobre atuação. Tenho enorme interesse em saber qual estrada cada ator pega para entregar sua encomenda. Gosto do assunto não só para saber como tocá-los, mas também pelo prazer de observar quão maleável e flexível pode ser a mente humana.

Caminhos absolutamente opostos podem levar a um mesmo lugar. Apesar de ter um passado selvagem, Moritz é alemão e tem método, mas não o Method - este ele desconsidera. Seu caminho é outro: primeiro procura ter cada palavra dos seus diálogos completamente decorada a ponto de não precisar pensar nelas na hora em que a câmera estiver rodando. No set gasta um tempo prestando atenção e estudando cada movimento que fará, garantindo ao montador a possibilidade de cortá-lo em qualquer sílaba sem risco de ter um garfo ainda na boca ou uma virada de cabeça que não estará no take seguinte. Como uma máquina bem regulada, com tudo que ele precisa dizer ou fazer no piloto automático, ele pode esquecer sua própria atuação, prestar atenção no que o ator com quem está contracenando está dizendo e, assim, viver a experiência que está escrita no roteiro. De fato, nós não pensamos em nossas expressões, intonação ou sentimentos ao falar e interagir. É esse desprendimento que ele busca ao tentar automatizar e assim poder esquecer o que tem que fazer.

Essa maneira de se construir um personagem, de fora para dentro, pode soar antiga. Foi justamente em contraposição a essa maneira de atuar que Stanislavsky, nos anos 1930, desenvolveu seu sistema, que acabou sendo reestruturado por Lee Strasberg no Actors Studio, onde ganhou o nome de Method Acting. Dei muita risada ao ouvir o Moritz falar do Method que, para ele, é mais uma obsessão norte-americana em dar nomes às coisas e de criar um marketing, do que algo que ajude os atores a interpretar de fato. 'Para quê eu preciso saber quem é a avó do personagem se ele está apenas num jantar de trabalho?'

Moritz trabalhou com bons atores que usam o Method e disse que nunca se sentiu tão sozinho em cena. Esses atores, diz, passam tanto tempo focados em buscar suas memórias afetivas, a inventar uma história pregressa para seus personagens, a tentar se transformar no personagem que simplesmente se fecham naquele mundo e esquecem que existem outros atores em cena e uma história para ser contada. Na câmera, diz, a coisa funciona, mas para o ator que está ali contracenando é como se não houvesse ninguém do outro lado, é como contracenar com um autista de onde não vem nada. Ele mesmo passou um tempo em Nova York aprendendo a trabalhar por este caminho, mas não se adaptou e abandonou o curso.

Fora o prazer de ouvir esta provocação, sempre achei que o difícil numa atuação não é falar mas sim saber escutar o outro, pegar o que veio e devolver com alguma coisa a mais e assim ir construindo a cena,levando-a para lugares onde só ali, com a câmera rodando, é possível descobrir. Para uma cena ficar boa, ela precisa que todos os envolvidos estejam atentos e sensíveis para deixar que cozinhe um pouco no calor daquele momento entre o ação e o corta. É ali que brotam os sabores. Se eu fosse norte americano eu criaria um método chamado "Cooking Acting" e ficaria rico.

Em uma das cenas rodadas, tentei mudar algumas falas do Moritz depois de 3 ou 4 takes filmados, mas elas simplesmente não saíram orgânicas. Então, por sugestão do Jude Law que contracenava, acabamos cortando-as e voltamos ao roteiro original. Por não estar filmando em sua própria língua essas mudanças se tornam mais difíceis, imagino. De qualquer maneira, no final da cena, que é também o final do filme, Moritz entregou uma performance tão simples mas tão extraordinária que minha insegurança em relação àquele final se evaporou. Em silêncio, apenas com os olhos, o alemão colocou um ponto final em '360', como se me entregasse um presente. Esta eu vou ficar devendo."

Palhaçada geral...

2011-03-30T17:31:00.000-07:00

Agora no mês de março tivemos o grande prazer de receber no nosso CAC Walmor Chagas, o curso "Palhaço em 3 tempos" ministrado pelo querido mestre Mané.
Com direito a formatura e diploma. A galera mandou super bem e encheu nosso espaço de alegria e criatividade. Parabéns "Palhaçada"!!!
Confira algumas fotos:

O mestre Mané e seu estágiario.

Oficina Silvana Abreu no CAC Walmor Chagas.

2011-03-24T16:12:00.000-07:00

O Ator-Performer: oficina trabalha processo criativo

Ministrada pela atriz, diretora e performer Silvana Abreu, curso terá nove horas de duração e acontece nos dias 21 e 22 de abril no CAC Walmor Chagas.

180311 - Já estão abertas as inscrições para a oficina “O Ator-Performer - Dramaturgia do Desejo”, que será realizada nos próximos dias 21 e 22 de abril, pelo Centro de Artes Cênicas (CAC) Walmor Chagas, com a atriz, diretora e performer Silvana Abreu. Destinado a atores, clowns, bailarinos, performers e estudantes dessas áreas, o curso terá carga horária total de nove horas, as vagas são limitadas e o custo é de R$ 180,00.
Com especialização em Mímica e Teatro Físico, Silvana Abreu foi integrante do Núcleo de Pesquisa e Criação da Mímica Total do Brasil, coordenado por Luis Louis, além de idealizadora e produtora do Projeto Solos do Brasil, com Denise Stoklos, quando criou o espetáculo "Micro-Revolução de Um Ser Gritante", inspirado na obra de Clarice Lispector. A montagem recebeu vários prêmios em festivais nacionais e percorre o Brasil desde 2003, além de já ter se apresentado em países da América Latina e da Europa.
A oficina trabalha o processo criativo do ator a partir da abordagem corporal e autoral, para identificar e potencializar o que cada participante tem de mais expressivo e único, e tem o objetivo de que o performer esteja tão comprometido com a criação (com corpo-voz-pensamento-emoção-intuição) que a cena seja necessariamente intensa, autêntica, prazerosa, alegre e vibrante.
Esse trabalho tem inspiração na Filosofia Contemporânea de Afirmação da Vida, e busca uma aplicação prática de conceitos encontrados em Nietzsche, Spinoza, Bergson e Deleuze, entre outros filósofos.

Serão abordados durante a oficina treinamento de técnicas corporais, introdução ao conceito de dramaturgia para atores-criadores, treinamento do corpo emocional, entre outros.
O Centro de Artes Cênicas (CAC) Walmor Chagas fica na rua Netuno, 41, Jardim da Granja. Mais informações pelo telefone (12) 3941-7631, de terça a sexta-feira, das 14h às 20h.
Serviço:
O Ator-Performer - Dramaturgia do Desejo
Datas e horários: dias 21, das 10h às 13h e das 15h às 18h, e 22, das 10h às 13h
Local: CAC Walmor Chagas - rua Netuno, 41, Jardim da Granja
Para as inscrições: Preencher Ficha de Inscrição, anexar Carta de Interesse do porque deseja participar do Curso e Curriculum resumido (máximo 15 linhas).
Valor: R$ 180,00 - 50% até dia 30 de março e 50% até dia 15 de abril.

Contatos para a imprensa:
Central Comunicação
Andréia Barros – (12) 3921-5367 ou (12) 7814-9934 // ID 99*15242
E-mail: andreiacentral@gmail.com

Nesta Segunda no CineClube Tem...

2011-03-24T16:04:00.001-07:00

Ananã Produções, Globo Filmes e Fox Film produzem longa de estréia de Cris D’Amato

Na paixão fulminante entre um diretor de teatro e uma jovem misteriosa, o caso que iniciou o processo de extinção da pena de morte no Brasil ameaça se repetir.

Sem Controle reúne Eduardo Moscovis, Milena Toscano e Vanessa Gerbelli numa história repleta de personagens inusitadas e viradas surpreendentes, que apresenta a questão da pena capital sob uma perspectiva absolutamente nova.

Danilo Porto (Eduardo Moscovis) é um diretor de teatro obcecado com a injustiça cometida contra o fazendeiro Manoel da Motta Coqueiro, caso que iniciou o processo de extinção da pena de morte no Brasil. Danilo decide montar uma peça sobre Motta Coqueiro, com ele próprio interpretando o fazendeiro e os demais papéis vividos por pacientes psiquiátricos. Quando os limites entre real e imaginário se confundem, Danilo é forçado a reviver os fatos históricos em primeira pessoa, ciente do destino trágico de seu personagem.

Obsessão e amor, pena de morte e loucura, teatro e metalinguagem estão entre os temas que a diretora carioca Cris D’Amato conjuga em seu primeiro longa-metragem, co-produção Ananã Produções, Globo Filmes e Fox Film. D’Amato estréia na direção com a segurança de quem capitaneou sets de filmagem como assistente de direção e diretora assistente em 29 filmes de longa-metragem ao longo de pouco mais de uma década.

Cineclub 14/03/2011

2011-03-13T15:13:00.001-07:00

Nesta segunda tem:
RICARDO III - Um Ensaio

Em sua estréia como diretor, Al Pacino parte de uma montagem teatral do clássico de William Shakespeare para a contar a história propriamente dita e, ao mesmo tempo, mostrar os bastidores do desenvolvimento da peça, com detalhes como as conversas entre o elenco e a construção das personagens.

Com Al Pacino, Alec Baldwin, Aidan Quinn, Winona Ryder e Kevin Spacey.

CarnaClown

2011-03-04T16:33:00.000-08:00

No último dia vinte e seis de fevereiro, aconteceu o bélissimo e animado cortejo de carnaval dos palhaços do curso de Clown ministrado pelo "Mestre Mané" no CAC Walmor Chagas.
Dia 13 é a formatura da galera, todos estão convidados.
Bom carnaval á todos!!!!

O Cortejo do CarnaClown

Wallace Puosso ( Ator Cia. Teatro da Cidade)

Andréia Barros ( Atriz da Cia. Teatro da Cidade)

A palhaçada reúnida

Aquecimento

Camarim

teatrojornal

2011-03-01T09:16:00.000-08:00

Entrem no link e curtam o Teatrojornal, vale á pena.
Agradecimentos especial de todos da Cia para o querido Valmir.
Grande Abraço!

www.teatrojornal.com.br

Duas narrativas de Abreu segundo a Companhia Teatro da Cidade

Ana Cristina Freitas, Wallace Puosso e Andréia Barros em Um dia ouvi a lua, direção de Eduardo Moreira - Tito Oliveira

A Companhia Teatro da Cidade cruzou em 2010 duas décadas de existência. E celebrou com dois espetáculos no repertório, trabalhos representativos de sua capacidade de fazer arte e produzir cultura em São José dos Campos, no Vale do Paraíba, onde interage com políticas públicas junto à Fundação Cassiano Ricardo, responsável pela organização do Festivale, e mantém o seu próprio espaço, o Centro de Artes Cênicas Walmor Chagas. A região do interior paulista é berço de tradições populares, de festejos religiosos, de sotaques e saberes marcantes do imaginário caipira. Daí as variantes cômicas, trágicas e líricas singradas nas dramaturgias de Maria Peregrina, montagem de dez anos atrás, e de Um dia ouvi a lua, recém-estreada, ambas sob a lavra de Luís Alberto de Abreu - um interlocutor mais-que-perfeito na pesquisa continuada do núcleo em torno dos mecanismos narrativos.

Assistir às duas montagens, em intervalo de dias, é condição privilegiada para aferir o quanto são umbilicais.

Simbolicamente, Maria Peregrina evoca o céu e o mar na figura de uma santa de mesmo nome que um dia foi gente, uma cidadã das ruas do bairro de Santana, morta em 1964 e desde então mais uma lenda no panteão local - vulgo 'Nega do Saco' ou 'Maria do Saco'. Inevitável o paralelo com Nossa Senhora Aparecida, a santa negra que batiza a cidade vizinha e cuja imagem foi encontrada por pescadores no século 18.

Um dia ouvi a lua, por sua vez, deita à raiz do chão, à lavoura arcaica em que homens e mulheres semeiam sua moral conforme a transmissão familiar, adultos nostálgicos da inocência de quando não tinham experimentado a maldade de que o mundo também é feito. No título, o satélite da Terra incide diretamente sobre a essência da força do feminino a catalisar a cena.

Em ambos os textos subsistem os sentimentos que a todos guiam ou desviam, o amor romântico ou filial e suas contrafaces, a impossibilidade, a perda, a vingança passional. A negociação nessa gangorra da existência é dada pelas memórias às quais os personagens se acham agarrados ou traídos pela ausência dela.

Quanto à estrutura das duas narrativas, elas são tripartidas.

Em Maria Peregrina, há a história inspirada na personagem-título, em busca do filho morto, entrecontada pelas peripécias de um replicante de Jeca Tatu e pelo drama de uma paixão rediviva à maneira de Lorca.

Em Um dia ouvi a lua, três canções sobre o discurso amoroso dos matutos da chamada música de raiz são adaptadas para o ponto de vista da mulher - das caboclas, digamos assim. Estão lá as modas de viola de João Pacífico e Raul Torres, Cabocla Teresa; de Piraci e Luis Alex, Adeus, morena, adeus; e de Tonico e João Merlini, Rio pequeno - todas elas grávidas de idílios ou conflitos.

Outro eixo comum é o tratamento épico. Nas duas peças, as vozes do eu-personagem e do eu-narrador vão e vêm em recuos que aportam o espectador em relação ao desenrolar dos causos e da ação presente. A mitologia religiosa abarca romarias e novenas como panos de fundo em Maria Peregrina, o caminho penitente para Aparecida do Norte, enquanto o arquétipo da infância é dominante em Um dia ouvi a lua.

A década de estrada de Maria Peregrina dotou a encenação de despojo e refinamento verificáveis na cultura oriental secular. Há um equilíbrio de efeitos e recursos do Teatro Nô já desenhados na dramaturgia de Abreu e sacramentados pela direção de Claudio Mendel, cofundador da companhia. Mesmo com eventuais substituições ao longo desse período, o elenco de sete atores mostra-se decantado no processo em que a vitalidade em cena ou fora dela é exigida o tempo todo no espaço frontal e descoberto de uma ponta a outra. Contrarregragem, interação com objetos, trocas de figurinos e execução musical estão a cargo dos respectivos intérpretes, cantigas, percussões e incidências que respiram no mesmo pulso do que é enunciado, inclusive nos silêncios. Dá-se a química, peculiar aqui, que faz a caipirice ascender enquanto linguagem cênica, sem concessão, envolta em certas passagens sob o manto da teogonia e da ascese.

Adriana Barja, também como Tereza e Louca em Maria Peregrina, direção de Claudio Mendel - Divulgação

Em Um dia ouvi a lua, o ator e diretor Eduardo Moreira, cofundador do Grupo Galpão, é convidado a assinar a montagem gestada em processo de colaboração. São flagrantes as afinidades estéticas eletivas com o núcleo mineiro formado há 27 anos – a recriação das manifestações populares do interior, seu cancioneiro, sua crença, seu princípio gregário, etc. Moreira centra na criação do intérprete, na afirmação do jogo teatral a partir da linha tênue com as memórias de infância dos integrantes também acolhidas no texto.

Mas o universo da criança torna-se um problema. Boa parte do elenco não corresponde à pororoca lúdica para despir-se da estereotipia na voz e na gestualidade. A correlação com as brincadeiras de antanho às vezes estorva. É corrente a quebra de qualidades física e emocional entre o flashback e o pular cordas, o esconde-esconde, a cumplicidade coral. Quando 'adultos', os seis atores fluem mais seguros no tônus dramático na hora de cantar, narrar, representar.

A atriz Adriana Barja surge mais à vontade nesse trânsito de sutilezas de um extremo a outro da vida. Sua personagem Cabocla Tereza é paradoxalmente desejada e assassinada a tiros pelo marido que se diz desonrado na composição sertaneja assim como na diálética que casa a consciência do instante ao fato narrado. Impossível dissociar a atriz da sua outra performance como Tereza, homônima, morta a golpes de faca por um homem traído em Maria Peregrina – enésimo recurso de Abreu para as histórias conversarem entre si, mesmo que não tenham sido pensada embrionariamente uma para a outra, no que o tempo acabou emendando.

Como não poderia deixar de ser, outro elemento vital no projeto é a música, dirigida por Beto Quadros. Ele dividiu os arranjos com Ernani Maletta, assinatura marcante nos espetáculos do Galpão. Os atores estão afinados no cantar e no tocar, harmonizam com os sentimentos expressos nas canções. Mesmo quando cumprem coreografias, instrumentos colados ao corpo, ou ainda quando ziguezagueiam entre as malas – estas um signo potente, sem abuso.

A ressonância de Um dia ouvi a lua está no tom menor com que o espetáculo consegue pôr em primeiro plano as boas e tristes histórias e os seus contadores, isso desde a abertura, quando aparecem reunidos ao redor da fogueira no centro do palco. Eduardo Moreira conviveu semanas com os atores e chegou a bom termo. Fosse uma relação continuada – ele vive em Belo Horizonte -, quem sabe o elenco avançasse no todo na proposição de jogo para a cena.

E em simbiose com Maria Peregrina – pois toda a obra desse dramaturgo transmigra em seus próprios limites, ou deslimites –, temos ancorada a pena do demiurgo Luís Alberto de Abreu e a determinação em subverter a trajetória do herói e colocar a mulher em outros patamares.

(26 de fevereiro de 2011)

Um dia ouvi a lua

Adriana Barja
Ana Cristina Freitas
Andréia Barros
André Ravasco
Caren Ruaro
Wallace Puosso

Codireção: Claudio Mendel
Cenários e figurinos: Leopoldo Pacheco e Ana Maria Bomfin Pitiu
Direção musical: Beto Quadros
Arranjos musicais: Beto Quadros e Ernani Maletta
Iluminação: Claudio Mendel
Produção: Vander Palma
Produção executiva: Carla Maciel
Assistente de produção: Renata Siqueira

Maquiagem e cabelos: Leopoldo Pacheco

Fotografia: Tito Oliveira
Assessoria de Imprensa: Andréia Barros e Carla Maciel

Maria Peregrina

Adriana Barja

André Ravasco

Caren Ruaro

Conceição de Castro

Tamara Cardoso

Vander Palma.

Cenário e figurino: Carlos Eduardo Colabone
Iluminação: Daniel Augusto e Claudio Mendel
Fotos: Tito Oliveira e Rosi Canto
Assessores de imprensa: Andreia Barros e Diego Dionisio
Produção executiva: Carla Maciel

Sinédoque, Nova York

2011-03-01T08:59:00.000-08:00

Sobrou para mim a tarefa (árdua) de escrever para esse blog sobre as sensações ao assistir ao filme Sinédoque Nova York, exibido ontem à noite (28/2), no Centro de Artes Cênicas (CAC) Walmor Chagas, dentro da programação do Cineclube Magneto. Confesso que ainda estou atordoada e incomodada e que desejo assisti-lo novamente.

O filme é a primeira direção de Charlie Kaufman (“Brilho Eterno de uma Mente sem Lembranças” e “Quero ser John Malkovich”), e tem como protagonista o magnífico Philip Seymour Hoffman. Quantas perguntas:

Como identificar o limite entre realidade e ficção? Como lidar com nossos medos, anseios, desejos, neuroses, angústias? Os caminhos que trilhamos são exatamente aqueles que queremos “nos” encontrar? As nossas incertezas, as nossas dúvidas nos fazem ficar diante da morte? A morte é as nossas incertezas? O filme é catártico! Conta história de um diretor de teatro que passa por uma crise em seu casamento. Após exibir sua mais nova peça, sua esposa e sua filha mudam-se para a Alemanha. Ao mesmo tempo recebe a informação de que ganhou um prêmio, uma espécie de incentivo, para construir sua mais nova peça.
É um personagem submisso e que é simplesmente levado ao fluxo dos acontecimentos. Ao longo do filme, parece acumular a dor dessa submissão, sempre em um processo de reflexão interior, sem nunca compartilhar essa dor.
Durante esse processo de esclarecimento, começa a construir a sua "peça", cuja proposta é reproduzir suas dores, suas angústias e seu silêncio.

Tudo passa a ser o simulacro que anestesia o que existe como seu drama pessoal. É um filme maravilhoso por deixar existente esse paralelo entre a realidade e aquilo que reproduzimos sobre ela. Para quem faz teatro é obrigatório assistir. Sobre o ser e estar! A certeza e a dúvida! Sobre a dualidade de tudo! Sobre o homem! É... tudo a ver para quem faz teatro...ou não!

Andréia Barros

Cortejo de Carnaval.

2011-02-25T19:00:00.000-08:00

Fachada do CAC Walmor Chagas.A galera chegando para a batucada.

Douglas Mané e João.

João, Paulo Barja e Eva.

Vamos lá meu povo! A Bebel e o Joãozinho já estão curtindo.

Adriana Barja, Ana Cristina Freitas "Cia Teatro da Cidade e meninas lindas do Batucaia.

E o cortejo segue.

CORTEJO DE CARNAVAL DO CAC WALMOR CHAGAS

A concentração aconteceu em frente ao CAC Walmor Chagas. Havia músicos, palhaços, palhaços/músicos, atores, pessoas da comunidade do Jd. da Granja e a galera do “Grupo Batucaia” de Jacareí.
Mestre Renato do “Batucaia” pede a atenção de todos e começa sua fala agradecendo a Cia Teatro da Cidade pelo convite em participar do “I Cortejo de Carnaval do CAC Walmor Chagas”. Em seguida diz aos presentes: “vamos fazer o que aprendemos! Cada um sabe o instrumento que vai tocar pra cada ritmo. Vamos tocar maracatu, afoxé e congada e se der a gente fecha com o Zé Pereira. Mais... o mais importante de tudo: VAMOS NOS DIVERTIR!!!!”
E assim, seguindo a orientação do mestre, fomos à formação: o grupo “abre alas” ficou por conta das mulheres com seus Abês (ou Agbê ou Chequerê), em seguida “batucaios” com seus agogôs. E aí vinham as caixas seguidas das potentes alfaias, que enchiam nossos olhos com a diversidade de cores e pinturas.
Os palhaços - especialmente convidados para o cortejo – trouxeram alegria, singeleza e muito brilho para o nosso “cordão carnavalesco”.
Foi dado o sinal pelo mestre e, dessa forma começou a execução de todos os instrumentos. A partir dali, o som do Grupo Batucaia e dos Palhaços/Músicos, trouxe “algo” diferente para o Jardim da Granja, fazendo as pessoas saírem nos portões e nas janelas para ver o “Cortejo” passar.
O grupo seguiu por várias ruas, tocando, dançando e observando as pessoas que aplaudiam – da frente de suas casas – com palmas, sorrisos e olhares.
Durante o cortejo uma criança se aproximou dos palhaços e logo começou a interagir, ganhando uma baqueta do palhaço, que continuava gentilmente carregando o tambor para o menino tocar.
A noite ficou mais vibrante com a sintonia que aconteceu entre os artistas e as pessoas da comunidade Jardim da Granja. E era isso mesmo que desejávamos fazer: dar um presente para elas! E acreditamos que arte é o melhor que podemos oferecer, pois a arte transforma! Como transformou na noite de ontem o cotidiano dos moradores do Jardim da Granja, trazendo música e alegria para todos!!!
(Adriana Barja – atriz da Cia teatro da Cidade e integrante do Grupo Batucaia)

Queridos,

Ainda estou radiante pela noite de ontem!!

Me emocionei em vários momentos vendo todos juntos felizes, "mostrando" seus talentos.
Parabenizo todos pela bela apresentação e peço a benção dos mestres da cultura popular para que dê vida longa ao Batucaia.

Parabenizo à todo pessoal do CAC Walmor Chagas pelo trabalho que desenvolvem na comunidade e agradeço o convite e todo o carinho com que nos receberam.

Agradeço principalmente a Adriana e a Ana Cristina e nosso querido professor Renato por acreditar na gente e pelo belo trabalho que levou as ruas.

Voltei ontem feliz mas com uma pulga atrás da orelha que não me deixava dormir.
Esse grupo tem que ter vida longa, precisamos dividir momentos como esse muitas outras vezes e nos apropriarmos dessa idéia de grupo, de coletivo, de fazermos parte , de sermos co criadores. Não sinto o Batucaia como um grupo do Instituto Sapucaia, vejo que um dia pode ser uma proposta independente. Penso que hoje o Sapucaia disponibiliza a produção e o estudo desse grupo mas vejo além disso....quero, desejo muitas batucadas ao Batucaia, muito aprendizado e muita troca e parceria.

De coração quero muito a continuidade desta proposta e muitas batucadas pra adrenalizar a gente!

Mais uma vez agradeço todos você por se achegarem ao Instituto e por acreditarem no Construindo Música. Pra mim foi um orgulho ver todos lindos pelas ruas de sjcampos... adorei o naipe de abês das meninas puxadoras de toadas, as saias coloridas e esvoaçantes, os rebolados e gingas, adorei sentir a música do Batucaia!!

Beijos nos corações.

Axé,
Bia

Cineclube tem mais nesta Segunda dia 28.

2011-02-24T10:44:00.000-08:00

SINOPSE

Estréia do aclamado roteirista Charlie Kaufman (Quero Ser John Malkovich, Adaptação, Brilho Eterno de uma Mente sem Lembranças) como diretor.
Através de uma narrativa com multicamadas, o filme conta a história de Caden Cotard (Philip Seymour Hoffman), um diretor de teatro frustrado, hipocondríaco e egoísta está preparando uma nova peça, ao mesmo tempo em que enfrenta problemas pessoais. Sua esposa, Adele Lack (Catherine Keener), resolveu deixá-lo para morar em Berlim, levando consigo a filha. Madeleine Gravis (Hope Davis), sua terapeuta, aparenta estar mais interessada em divulgar seu Best Seller do que em ajudá-lo.
Preocupado com transitoriedade de sua vida e seu estado de saúde, cada vez mais debilitado, Caden decide reunir um grupo de atores em um armazém de Nova York. Lá ele tem a incumbência de escrever uma peça e tentar refazer o seu mundo no palco em cada detalhe.
Mas conforme a cidade dentro do armazém cresce, a vida de Caden sai completamente dos trilhos. Em algum lugar em Berlim, sua filha cresce sob a questionável orientação de Maria (Jennifer Jason Leigh), amiga de Adele. Sammy (Tom Noonan) e Tammy (Emily Watson), os atores contratados para interpretar Caden e Hazel, tornam mais difícil para Caden reavivar seu relacionamento com a verdadeira Hazel.
Esse emaranhado de relações reais e teatrais distorce as fronteiras entre o mundo da peça e a realidade decadente de Caden.

Poesia

2011-02-24T10:38:00.000-08:00

Ciranda de poesia

Tivemos o prazer de ontem à noite (23/02) participarmos do projeto Ciranda de Poesia, no Espaço Cultural Bola de Meia, em São José dos Campos, que levou para a “ciranda” a discussão sobre a obra do nosso companheiro de palco e labutas, Wallace Puosso. Na mediação, outro grande poeta: Braga Barros.

Fiquei orgulhosa do ator e poeta, do amigo e companheiro e, acima de tudo, do artista. Quem me dera ter essa sensibilidade para passar para o papel momentos de história, de vida e de tantos sentimentos. Para escrever esse depoimento já estou “suando”. Tudo ajudou para a noite: o clima, a presença de poetas da cidade e o espaço do Bola de Meia, sempre aconchegante. Destaque para o ator Nélio Fernandes, que apresentou um belo e instigante trabalho de partitura corporal.

Andréia Barros

Minha paixão por poesia me propicia experiências muito intensas: desde a simples leitura até a participação em shows e eventos de poesia. Desta forma, conheci muitos escritores e poetas daqui de nossa cidade.
São José dos Campos apresenta hoje um número considerável de escritores e poetas de muita qualidade literária. Isto, com certeza, é motivo de orgulho pra cidade!
A noite de ontem (23/02/2011) foi marcada pela apresentação da obra literária do ator e poeta Wallace Puosso e isso foi motivo de muito orgulho para a Cia Teatro da Cidade, pois "O CARA" é ator integrante da cia e ESCREVE MUUUUITO!!!!!!
Já conhecia grande parte de seus escritos, pois acompanho o blog "demora mais chega" onde ele participa juntamente com outros poetas maravilhosos da cidade.
Suas influências partem do “movimento beat”, imortalizado pelos escritores Allen Ginsberg, William S. Burroughs e Jack Kerouac. Por artistas como: Jim Morrison (The Doors), Bob Dylan, Renato Russo e tantos outros que o marcaram em sua jornada literária. Cinéfilo de carteirinha apresenta em sua produção literária, clara influência do cinema, pois seus escritos nos remetem a verdadeiros roteiros cinematográficos que transbordam imagens.

Mas para a minha surpresa, na noite de ontem, fui irremediavelmente arrebatada por um belo texto que Wallace escreveu a partir de suas sensações de uma cena do espetáculo "Maria Peregrina", que completa 11 anos de existência com a Cia Teatro da Cidade.
Foi muito interessante e emocionante saber o "olhar do poeta" diante de uma cena de paixão impossível (Tereza e Aventino) na qual apresentamos nos palcos com tanta verdade.
Após esse encontro que me propiciou momentos tão intensos e prazerosos, vale parabenizar os responsáveis por isso: o poeta Braga Barros, grande poeta e mediador do projeto “Ciranda de Poesia”, aos integrantes do grupo “Bola de Meia” que viabilizam este encontro em sua sede, e principalmente ao poeta, ator e grande amigo Wallace Puosso por sua grandiosidade como artista e ser humano!

Adriana Barja (atriz da Cia Teatro da Cidade)

Bloco de Carnaval!!!!!

2011-02-22T09:06:00.001-08:00

Entre realidade e ficção: o cinema urgente de Eduardo Coutinho

2011-02-18T18:19:00.000-08:00

No último dia 07, segunda-feira, iniciamos as atividades do Cineclube Magneto no Centro de Artes Cênicas Walmor Chagas, com o documentário “Jogo de Cena”, de Eduardo Coutinho.
Nesse primeiro momento, optamos por filmes que descortinassem o processo criativo, instigassem o debate das artes interpostas (cinema e teatro) e com isso, possibilitassem um debate rico e produtivo sobre o fazer artístico.
Com “Jogo de Cena”, tivemos uma aula sobre narrativa.
Em suas quase duas horas, o documentário expõe fronteiras num jogo de metalinguagem com o próprio título, deixando ao espectador o benefício da dúvida: quem de fato está contando aquelas histórias? Onde termina a representação e começa o depoimento?
No fundo, no fundo, não importa muito quem depõe (narra sua própria história) ou quem interpreta. A cada história daquelas mulheres, nossos olhos marejam, nosso coração fica apertado, nossa emoção aflora.
Desta forma, a narrativa só faz sentido se, quem estiver contando a história (seja sua ou não) tiver vontade de contar essa história. Fácil não é, mas é simples, mais do que a gente imagina.
Tivemos um público de 16 pessoas, com direito à pipoca e debate no final.
No dia 28 de fevereiro, daremos prosseguimento à programação inaugural, com o filme “Sinedoque, Nova York” do aclamado roteirista norteamericano Charlie Kaufman.

Wallace Puosso
Coordenador do Cineclube Magneto

Cineclube no CAC Walmor Chagas.

2011-02-11T11:23:00.000-08:00

Nesta segunda dia 14/02/2011.
Vamos dar a partida no nosso Cineclube, todos estão convidados.

título original: Jogo de Cena
lançamento: 2007 (Brasil)
direção: Eduardo Coutinho
atores:Marília Pêra, Andréa Beltrão, Fernanda Torres
duração: 105 min
gênero: Documentário

Sinopse

Atendendo a um anúncio de jornal, 83 mulheres contaram sua história de vida em um estúdio. 23 delas foram selecionadas, em junho de 2006, sendo filmadas no Teatro Glauce Rocha. Em setembro do mesmo ano várias atrizes interpretaram, a seu modo, as histórias contadas por estas mulheres.

3a Edição do Prêmio CPT

2011-02-09T14:27:00.000-08:00

8 de fevereiro de 2011

Maria Alice Vergueiro, Luciano Chirolli e Paschoal da Conceição, escolhidos como o Melhor Elenco, pelo espetáculo "As Três Velhas".

Por Letícia Holanda
Com a presença de Antunes Filho, Maria Alice Vergueiro, Paschoal da Conceição e Sebastião Milaré, a classe artística teatral representada por cerca de 200 pessoas, se reuniu na noite de ontem (07), no Teatro Coletivo, para conhecer os vencedores do Prêmio Cooperativa Paulista de Teatro 2010, nas 14 categorias.
O prêmio de Melhor Dramaturgia foi dado a Antônio Rogério Toscano por “Bielski”, da Cia. Levante e o de Melhor Direção foi concedido a Rodolfo García Vasquez por “Roberto Zucco – Hipóteses para o amor e a verdade”, da Companhia de Teatro Os Satyros.
Maria Alice Vergueiro, Luciano Chirolli e Paschoal da Conceição foram escolhidos como o Melhor Elenco, pelo espetáculo “As Três Velhas”, da Companhia de Teatro Pândega. E Antunes Filho, que no ano de 2010 esteve em cartaz com “Policarpo Quaresma”, recebeu o prêmio de Melhor trabalho apresentado em sala convencional, dividindo a premiação com Leonardo Moreira do espetáculo “Escuro” da Cia Hiato.
O prêmio não só reconheceu os trabalhos de São Paulo, mas também de grupos do litoral e interior paulista, como a Trupe Olho da Rua, da cidade de Santos que foi premiada como Companhia Revelação do ano de 2010; “A farsa do advogado Pathelin”, do grupo Rosa dos Ventos (Presidente Prudente), escolhido como o Melhor Trabalho Apresentado em Rua e “Um dia ouvi a Lua”, da Cia. de Teatro da Cidade (São José dos Campos) premiado como melhor Trabalho apresentado no interior e litoral paulista.
Sebatião Milaré ganhou a categoria de melhor publicação com os livros: “Hierofania” (Edições SescSP) e “Batalha da Quimera” (Edições Funarte).
Américo Córdola, Secretário da Identidade e da Diversidade Cultural do Ministério da Cultura (MinC), que compareceu a cerimônia falou sobre a importância da premiação. “Eu considero esse prêmio muito importante, por que é um reconhecimento de esforço de toda uma produção, ele é muito democrático, as categorias são muito criativas. É um importante momento de encontro, onde cada um respeita o trabalho do outro, e principalmente é um prêmio que reconhece grupos de todo Estado de São Paulo, não somente da capital. E o grande mérito é dar esse reconhecimento a grupos revelação junto com grandes mestres do teatro brasileiro.
Confira abaixo a lista completa dos premiados:

1- Dramaturgia – Criação individual ou coletiva em espetáculo apresentado em sala convencional, rua ou espaço não convencional
Ganhador
Antônio Rogério Toscano – Bielski

2 – Direção – Criação individual ou coletiva em espetáculo apresentado em sala convencional, rua ou espaço não convencional
Ganhador
Rodolfo García Vasquez, por Roberto Zucco / Hipóteses para o amor e a verdade.

3 – Elenco – Em espetáculo apresentado em sala convencional, rua ou espaço não convencional
Ganhador
- As três Velhas (Maria Alice Vergueiro, Luciano Chirolli e Paschoal da Conceição)

4 – Trabalho apresentado em sala convencional
Policarpo Quaresma (Antunes Filho)

5 – Trabalho apresentado em rua
Ganhador
A farsa do advogado Pathelin, da Companhia Rosa dos Ventos (Presidente Prudente)

6 – Trabalho apresentado em espaços não convencionais
Ganhador
A Saga do Menino Diamante – Uma Ópera Periférica, Coletivo Dolores Boca Aberta.

7 – Trabalho para plateia infanto-juvenil apresentado em sala convencional, rua ou espaço não convencional
Ganhador
Amazônia Adentro, da Cia. Conto em Cantos

8 – Grupo ou Companhia revelação, do interior, litoral ou capital do Estado
Ganhador
Trupe Olho da Rua (Santos)

9 – Trabalho apresentado no interior e litoral paulista, em sala convencional, rua ou espaço não convencional
Ganhador
Um dia ouvi a Lua, da Cia. de Teatro da Cidade (São José dos Campos)

10 – Projeto Visual – elementos plásticos e visuais do espetáculo e sua realização cênica: iluminação, cenografia, figurino, adereços, maquiagem
Ganhador
Paulo Faria: Re-bentos – Trilogia Degenerada.

11 – Projeto Sonoro – elementos sonoros do espetáculo e sua realização cênica: palavra, canto, trilha original ou adaptada, arranjos e sonoplastia.
Ganhador
Os Boêmios de Adoniran (Banda ao Vivo – Músicas de Adoniran Barbosa)
Músicos: Léo Ferreira, Marcelo Brandão, Vitor Ramos e Paulinho Farias.

12- Ocupação de espaço – Compreendendo sala convencional, rua ou espaços não convencionais, no interior, litoral ou capital do Estado.
Ganhador
V Edição da Mostra Lino Rojas
Pela ocupação na Praça do Patriarca e diferenciados outros espaços da periferia da cidade de São Paulo.

13 – Publicação dedicada ao universo do teatro, suas diversas vertentes, relações e linguagens, em projetos de Grupos e Companhias teatrais, instituições ou similares.
Ganhador
Sebastião Milaré Livros: Hierofania (Edições SescSP) e Batalha da Quimera (Edições Funarte).

14 – PRÊMIO ESPECIAL
Ganhador
Aos Movimentos 27 de Março, Roda do Fomento e Movimento de Teatro de Rua. (Pelo importante engajamento militante e político pela Cultura do País).
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*****NOSSAS SENSAÇÕES POR ANDRÉIA BARROS*****

Sensações!

E lá estávamos nós!Adriana, Ana, Wallace e eu. Noite de segunda-feira (7/2), solenidade de entrega do prêmio CPT 2010, concedido pela Cooperativa Paulista de Teatro, aos melhores do teatro da Capital e interior. A premiação foi no Teatro Fábrica, na Consolação em São Paulo, que já nos traz boas lembranças, quando em 2008 a Cia ocupou duas salas desse espaço com Toda Nudez Será Castigada e Maria Peregrina. Estavam lá também, o mestre Antunes Filho, a grande guerreira do teatro brasileiro Maria Alice Vergueiro, o encenador Eduardo Tolentino, Cibele Forjaz, Alexandre Mate, Lizette Negreiros, Sebastião Milaré, além de integrantes de grupos importantes de São Paulo e do interior, como o La Mínima, Tapa, Cia do Latão, Rosa dos Ventos, entre tantos outros.
Como diz a querida Dani Biu, apresentadora da noite, caso uma bomba fosse jogada no auditório, grande parte do patrimônio cultural do país seria perdido.
Já estávamos felizes por receber duas indicações pela montagem de “Um Dia Ouvi a Lua”: Melhor Dramaturgia para Luís Alberto de Abreu e Melhor Espetáculo do Interior do Estado de São Paulo.
O coração disparava a todo o momento, quando os indicados eram apresentados em um grande telão. O prêmio de dramaturgia ficou para Rogério Toscano pelo texto de “Bielski”. Merecido!
E depois de muita espera chegou a nossa vez. Explode coração! Queremos mais. Continuar com o trabalho e botar o pé na estrada e apresentar pelo Brasilzão!
Andréia Barros

Noite de premiação CPT

2011-02-08T17:53:00.001-08:00

Prêmio!!!!!

2011-02-08T08:06:00.000-08:00

Um Dia Ouvi a Lua, peça que comemora 20 anos de existência de grupo joseense, é premiada como melhor espetáculo do interior paulista.

“Um Dia Ouvi a Lua” da Cia Teatro da Cidade de São José dos Campos conquistou o prêmio CPT 2010 de Melhor Espetáculo do Interior do Estado de São Paulo, concedido pela Cooperativa Paulista de Teatro. A montagem, que também recebeu indicação na categoria Dramaturgia para Luís Alberto de Abreu, concorreu com mais cinco espetáculos produzidos no ano passado no Estado.
A entrega do prêmio foi realizada na noite da última segunda-feira (7), no Teatro Oficina, em São Paulo, e contou com a participação de mais de 300 artistas da capital e do interior paulista.
Ao todo foram 14 categorias, sendo pelo menos seis indicações para cada uma delas, no primeiro e segundo semestres de 2010. “Um Dia Ouvi a Lua” concorreu com as peças “A Farsa do Advogado Pathelin”, do grupo Rosa dos Ventos, de Presidente Prudente, “Terra Papagallis”, da Trupe Olho da Rua, de Santos, “Bielski”, Cia Levante, de Santo André, “João de Barros - Mais uma brincadeira poética”, Cia. Engassa Gato, Ribeirão Preto, e “São Jorge e o Dragão”, Cia. Cornucópia de Teatro, Ribeirão Preto.
Montagem
Escrita por Luís Alberto de Abreu especialmente para o grupo joseense, em comemoração aos seus 20 anos de existência, a peça retrata o universo caipira e narra histórias de amor sob o ponto de vista de três mulheres: Beatriz, Tereza e S´A Maria.
As canções Adeus, Morena, Adeus (Piraci/Luiz Alex), Cabocla Tereza (João Pacífico/Raul Torres) e Rio Pequeno (Tonico/João Merlini), gravadas pela famosa dupla caipira Tonico & Tinoco e que narram histórias de amor sob o olhar masculino, foram inspiração para a criação do espetáculo.
Criado por meio de processo colaborativo entre dramaturgo, direção e criação de atores, o espetáculo utiliza as linguagens do teatro Narrativo/Lírico e do Nô japonês, mas de forma popular e bem brasileira.
A montagem foi realizada por meio do ProAc (Programa de Ação Cultural), da Secretaria de Estado da Cultura, estreou no último mês de março no Sesc São José dos Campos e já percorreu oito cidades do interior paulista, entre elas São Carlos, Santos, Bragança Paulista e São Sebastião.
A direção é de Eduardo Moreira, um dos fundadores do grupo Galpão de Belo Horizonte (MG), e a criação de cenário, figurinos e adereços de Leopoldo Pacheco, prêmio Shell de figurino em 2002 e 2003 pelos espetáculos Gota D´Água e A Mulher do Trem, respectivamente, e da artista plástica Ana Maria Bomfin Pitiu, de São José dos Campos.
O músico Beto Quadros, integrante do Trem da Viração e pesquisador de músicas regionais, é o responsável pela direção musical do espetáculo, e Cláudio Mendel assina a codireção e iluminação. A preparação corporal do elenco é assinada pelo coreógrafo e bailarino Robson Jacquè.
“Um Dia Ouvi a Lua” reúne seis atores da Cia Teatro da Cidade: Adriana Barja, Ana Cristina Freitas, André Ravasco, Andréia Barros, Caren Ruaro e Wallace Puosso.
www.ciateatrodacidade.com.br
Contato para a imprensa
Andréia Barros - (12) 3921-5367 ou (12) 7814-9934
andreiacentral@gmail.com

O teatro e só o teatro!

2011-01-31T12:40:00.000-08:00

Quando comecei a fazer teatro, nos idos da década de 80, ainda adolescente, me lembro de um amigo (hoje jornalista) que, após um acontecimento “inusitado”, me disse: “O teatro e só teatro possibilita acontecimentos e fatos na sua vida, que você não imagina no seu cotidiano”. Sempre me lembro dessa frase. O teatro me possibilita tantas coisas “inusitadas”. Apresentar um espetáculo na Bolívia! Em Itajaí, Santa Catarina! E pior: sem poder ir à praia. E tantas outras coisas inusitadas: algumas boas para lembrar e outras, sinceramente, quero esquecer.
Mas, hoje, tive um fato inusitado que me deixou muito feliz e que quero lembrar muito. No início da década de 90, a Fundação Cultural Cassiano Ricardo, ainda sob a batuta da professora Fátima Manfredini (também um fato “inusitado” e que ainda hoje lembro com carinho) contratou “monitores” formados pelos cursos oferecidos pela entidade para dar aulas aos “iniciantes”.
Após a Fátima, veio o André Freire, que reformulou o projeto e lá estava eu como “professora” e o meu querido Márcio Douglas como “aluno”. Infelizmente (para mim), não dei aula para ele diretamente, já que a minha turma era no Putim. Mas me lembro de seus “professores” falando do “aluno” nas reuniões de avaliação do curso, no qual fui “expulsa” pelo então coordenador contratado pela Fundação Cultural. Mas isso é outra história “inusitada” que prefiro não lembrar!
E, hoje, quase 20 anos depois, lá estava eu no CAC Walmor Chagas como “aluna” do meu querido “professor” Márcio Douglas! O teatro e só o teatro! Participo, junto com mais 30 pessoas, do curso de palhaço/clown do ator e palhaço (que para mim é um dos melhores do Brasil) do Márcio Douglas, que começou nesse sábado (29/01), e que acontece em três módulos, divididos em finais de semana dos meses de janeiro, fevereiro e março.
Foram tantas as inscrições que o ator/palhaço teve que finalizar a turma, mas com a promessa de um futuro próximo fazer outro curso. Bom pra nós todos!
Andréia Barros

Presença, ausência, passagem...

2011-01-28T15:54:00.001-08:00

Essas foram as três palavras que utilizamos para criar cenas individuais no treinamento de ontem (28/01), que contou com as presenças da Adriana, Conceição, Thaís, Vander, Wallace e eu. O Atul Trivedi também esteve no treinamento instigando os atores no processo de criação. Na realidade, tentamos criar cenas, mas não chegamos lá. Fizemos exercícios em que o impulso era o pé e a, partir dele, as sensações, corpo, gestos e andar.
Acho que só o Vander conseguiu algum resultado, partindo das três palavras, sob olhar feminino.
Deixamos essa tarefa para casa. No próximo encontro, cada um deve apresentar uma cena para cada palavra ou juntá-las em uma ação somente.
O treinamento está muito gostoso, fluindo e bem menos cansativo agora.
Andréia Barros

Atores e seus treinamentos.

2011-01-26T17:14:00.000-08:00

Treinamento: 25/11/2011

Começamos a ter mais consciência de nossas possibilidades corporais, observamos evoluções no sentido postural e estamos aos poucos superando limites!
Isso tudo foi percebido ontem após o alongamento que tem a finalidade de - além do aquecimento e da preparação do corpo para o exercício – desenvolver a consciência corporal, na medida em que se focaliza a parte do corpo que está sendo alongada. Como atriz/terapeuta, tenho o conhecimento de que o alongamento também ajuda a liberar movimentos que foram bloqueados por tensões emocionais.
Em nosso caso, buscamos também nesse momento trazer nossa atenção e pensamentos para o corpo, deixando as questões cotidianas para “fora” do nosso espaço de trabalho. Vamos em direção a um treinamento que propicie uma energia extra-cotidiana que vise trabalhar o tão desejado “estado” do ator.
Ontem, partimos para exercícios que colocaram nossos sentidos em alerta: ao pular corda no escuro, fomos guiados por nossa audição e ampliamos nosso corpo perceptivo.
No exercício de ações físicas, desenvolvemos ainda mais nossa criatividade e o mais importante: o jogo! Colocamo-nos em prontidão!
Porém, foi na atividade de expressão corporal que conseguimos atingir o trabalho coletivo. Em nossas observações procuramos relacionar cada atividade com o trabalho de cena e o ofício do ator. Experimentamos a intensidade do estado de prontidão, “da entrega” e também “do receber”, ou seja, do jogo cênico!

Adriana Barja٭

Prática...
Acredito cada dia mais que prática é o que de melhor podemos ter na vida, pessoal e profissional, e isso inclui diretamente o teatro.
Reacender os corpos talvez essa seja a palavra chave.
Toda vez que nos propomos fazer qualquer ação física acredito que estamos de novo e mais um dia reacendendo os corpos, a mente a criatividade.
A prática faz com que a gente se permita enquanto atores e artistas, e como humanos também. Acredito que é na prática que descobrimos os medos, as inseguranças e as diferenças, e isso pra mim é realmente maravilhoso. Na prática conseguimos compartilhar experiências e enriquecer, acima de tudo evoluir.
Hoje 26 de janeiro de 2011 – Terça – feira, quando pulei corda no escuro , percebi o medo de errar, parei algumas vezes, fiquei tonta, talvez pela insegurança, pelo pavor da escuridão, já que essa nos traz lembranças tão estranhas, que criança gosta de escuro? Quando não se sabe que a noite também é boa. E foi assim, meus colegas me encorajaram, e me mostraram que se permitir à coisas que se tem medo é muito bom, pulei e quando entrei no jogo sem pensar em mais nada, só ouvindo a corda bater no chão, foi ótimo. Me entreguei.E mais uma vez me iluminei com o teatro reacendendo meu corpo.
reacender (ê) v. tr.
1. Acender novamente.
2. Excitar; estimular; avivar; desenvolver; activar!.
3. Fig. Dar novo ardor a.

Ana Cristina Freitas

"Corpo/ concentração. Relaxamento/tensão. Idéias. Mais idéias. Conflitos internos que desejam flutuar pelo espaço. O corpo pede Treinamento e a mente agradece ao realizá-lo. Eu agradeço a oportunidade e o aprendizado." Thais Lopes

" Um ensaio de teatro deve ser um ato teatral. A partir do momento em que chegamos lá até o momento de ir embora, todo o nosso comportamento deve ser teatral. Alguém que assiste ao ensaio deve sair com a sensação de ter visto uma grande peça, cujo assunto é um ensaio de uma peça de teatro." Domingos de Oliveira.
THAIS LOPES

Respiração. Cerimônia (ritual de preparação). Obediência ao mestre. Uma outra maneira de enxergar coisas óbvias. Rotina pelo avesso. Desafio frente ao desconhecido. O medo é um aliado: se ele existe é porque algo está faltando.

Wallace Puosso

Treinamentos

2011-01-25T07:32:00.000-08:00

Corpos em ação, em movimento, corpos eletrizados.
Corpos cheios te atenção, em prontidão em preparação.

Descobertas Sempre!

2011-01-22T12:36:00.000-08:00

As obras de Mantegna, Watteau, Bosch, Strozzi e Lairana (única artista brasileira nesse primeiro momento) foram a inspiração para a criação de cenas dos atores que participaram do treinamento de quinta-feira (20/01), no CAC Walmor Chagas.
O encontro contou com a participação da Adriana, Ana, Andréia, Wallace, além da Thaís e Conceição, que foram pela primeira vez. O “quorum” está aumentando, diz a Dri.
As cenas foram individuais e, claro, mais erros que acertos. Porém, como diz a mestra Sara Lopes, “em teatro não existe certo ou errado e sim o que precisa ser feito”. Vamos chegar no que precisa ser feito.
A proposta era simples e, em teatro, a simplicidade sempre é problema: partir de uma ação para chegar à imagem. Sensações, ritmo, objetivo, movimento e, claro, ação são pontos que precisam ser considerados.
Mas estamos no começo da proposta. O treinamento, porém, já está cada vez melhor. Atenção, prontidão, integração e concentração! Incluem-se as “novatas”... no treinamento, entenda-se muito bem!
Andréia Barros

centro de ação

2011-01-20T07:27:00.001-08:00

Mestre Janô já havia nos provocado recentemente: é preciso descobrir quais são os exercícios necessários para o que buscamos enquanto atores.
Este é o Santo Graal da nossa busca.
Nesse terceiro dia de treinamento avançamos um pouco mais em nosso trabalho corporal.
Os exercícios de alongamento propostos pela Adriana são preciosos instrumentos para expandir / dilatar os corpos cansados de cotidiano e rotina. Começa em partes específicas do corpo e num dado momento, tomamos consciência de todo o nosso corpo.
Em seguida a corda, como “guia” para prontidão e concentração.
com os bastões, primeiro o trabalho individual, ao caminhar pela sala com o bastão equilibrando-se na palma da mão e o olhar (sempre ele!) atento e focado. Depois, outro exercício de treinamento dos samurais: troca de bastão 4x1. Nesse exercício, especificamente, experimentamos as sensações as quais Bergson se refere em seu “Matéria e Memória”.
Em seguida – ainda com os bastões – todos em círculo e a movimentação do grupo (em sentido horário e depois anti-horário) segue uma liderança natural, estabelecida pelo olhar.
Ao final do treinamento de bastão, o corpo responde melhor a estímulos externos, à memória, corpo este em prontidão para o processo criativo do ator.
Na última parte do treinamento, lemos mais um capítulo da obra de Bergson e Vander puxou a discussão do seguinte paradoxo: entre o aprendizado teórico (Bergson) e um ator mais preparado para a cena (resultado esperado, aplicação prática desejada), onde ficam os exercícios que fazem a “ponte” entre um e outro?
Essa discussão durou quase uma hora e foi de suma importância para chegarmos à conclusão que, os tais exercícios que buscamos estão registrados na trajetória que cada um carrega. Os processos de ensaio dos espetáculos, das performances, os diversos workshops que realizamos ao longo dos anos, etc.
Wallace sugeriu que cada um rememore exercícios fundamentais que já experimentaram em outros processos e os traga para aplicarmos em nosso treinamento.
Andréia sugeriu que criemos pequenas cenas a partir da nossa relação com o nosso espaço de trabalho – CAC Walmor Chagas. E que, ao darmos tratamento de exercícios cênicos a estas cenas, possamos comungar / dividir / compartilhar com o público, nossas descobertas.
Às vezes, conversas dessa natureza, fazem com que enxerguemos nossos pontos fracos e nossas potências.
Ao enxergarmo-nos podemos finalmente estar presente “de forma pura” para o outro. O espectador. O companheiro de cena. O ator-jogador, o performer.
Interiorizar-se. Limpar camadas, chegar à essência.
O impulso vem do interior e contagia o externo.
A troca com o outro. O gesto exato. A troca do que é vital com o outro.
Estar inteiro. Estar.
São coisas como essas que estabelecem princípios de teatro de grupo.
Eis aí nosso centro de ação: teatro de grupo não se faz só com ideologia e discursos estéticos.
Se faz – principalmente – com o “estar presente”.

Portanto, estiveram, estão: Adriana Barja, Ana Cristina Freitas, Andréia Barros, Vander Palma e Wallace Puosso.

Corpo

2011-01-17T07:35:00.000-08:00

TÍTULO: Preparação do atuador: limite, virtual, memória e vivência.
AUTOR: Renato Ferracini
INSTITUIÇÃO: LUME – UNICAMP
GT: Territórios e Fronteiras
PALAVRAS CHAVE: Atuação, Interpretação, Representação

Ler o conceito de pré-expressividade como um conceito de ação não expressiva, ou ainda,
ação antes da expressão é um erro. O corpo expressa. O corpo cotidiano expressa sempre. Mesmo o
suposto vazio e a inação são uma forma de específica de expressão. Mas podemos dizer que as
expressões cotidianas são varridas por um coletivo múltiplo de gestuais lugares-comuns. Clichês e
sensos comuns corpóreos regem as expressões cotidianas, sejam elas coletivas ou singulares. Isso
obviamente não é uma crítica. Esses gestuais clichês e sensos comuns nos permitem a comunicação
do dia-a-dia e, portanto, são necessários a uma época, cultura e a singularidades inseridas nesse
território temporal e espacial específico. Mauss e Le-Breton possuem estudos profundos nesse
sentido. Mas a arte corporal, o corpo-subjétil busca a transgressão desses limites expressivos
cotidianos. E para isso ele precisa de preparação.
Preparar um corpo-subjétil1 é buscar ir além dessa géstica cotidiana. Treinar e preparar o
corpo pré-expressivamente é o mesmo que realizar uma pós-expressão cotidiana, pós no sentido de
novas possibilidades, pós-possibilidades. Buscar potências de possibilidades, levar o corpo em uma
jornada de possíveis: isso é pré-expressividade e não há nada mais expressivo que a préexpressividade.
Para se lançar nesse território pré-pós-expressivo (portanto entre) o corpo necessita
de um território cujo tempo e espaço possam ser dobrados, reconfigurados e cuja potência de ação
possa ser alegre no sentido espinosano de aumento de possibilidade de afeto. É dessa necessidade
que vem a palavra treinamento. Mas cada ator, cada grupo, cada corpo-subjétil constrói o seu
próprio treinar e treinar esse corpo-subjétil não é tão somente um trabalho necessariamente
realizado em sala por um período determinado de tempo. O treinar é uma busca de estado e não
exercícios a serem executados em um espaço-tempo exato. Na verdade, no estado do treinar, pouco
importa a execução precisa e exata do exercício ou sua evolução enquanto complexidade. Importa,
sim, o uso de trabalhos e exercícios para se atingir um limite, uma borda, criar uma fissura em sua
géstica conhecida e cotidiana ou mesmo em seus clichês expressivos artísticos singulares no caso de
um ator com experiência..
1 CORPO-SUBJÉTIL: um corpo-em-arte não pode ser conceituado como uma ponta de um dualismo, mas
como um corpo integrado e vetorial em relação ao corpo com comportamento cotidiano. Chamei, então, esse
corpo integrado de corpo-subjétil. Esse conceito não é um ponto ou outro de uma dualidade mas uma
diagonal que atravessa essa dualidade abstrata e todos os pontos e linhas “entre”.
Esse treinar – quase uma ética - essa pré-pós-expressividade está alicerçada em dois
pilares básicos que são três multiplicidades complexas e que se comunicam em rizoma: a memória e
a vivência.
A memória é duração. Segundo Bérgson, ela – a memória - acumula o passado em um
presente que sempre passa. Mas o passado não é acumulado tão somente em formas de lembranças
concretas, mas é acumulado, principalmente, em forma de virtuais de memória que se aglomeram
independentemente de nossa vontade, criando uma espécie de memória ontológica. Estamos sempre
atualizando esses virtuais. Essa atualização pode ser meramente mecânica, ou seja, através do
controle de nossa vontade, quando dirigimos um carro, por exemplo, atualizamos mecanicamente os
virtuais de memória do coletivo de ações do guiar ou essas memórias são atualizadas independentes
de nossa vontade: um cheiro que nos remete a uma lembrança, um gosto de nos remete a um estado
de memória: Proust traduz magnificamente essa potência independente de atualização de memória
em sua passagem sobre o gosto do bolinho de Madeleine, lembrança da infância do herói, na cidade
de Combray, atualizada pelo gosto do bolinho com chá. Mas a ação de atualização não é nunca uma
ida do presente ao passado em uma espécie de re-vivência da lembrança, mas uma atualização é
sempre uma vinda do passado ao presente, sempre gerando uma recriação da lembrança no aqui
agora. É por isso que toda atualização é uma criação: a vinda do passado ao presente recria a
passado nesse mesmo presente.
Acredito que haja uma espécie bem específica de atualização de memória que é a
atualização de memória corpórea para um fim estético. Estamos falando, agora, da capacidade do
atuador em buscar uma atualização dessa memória corpórea, recriando sempre um fluxo poético
nesse movimento, ou seja, a capacidade de criar e sempre recriar esse fluxo através da atualização
de virtuais de forma consciente, mas não mecânica. Estou dizendo da capacidade do atuador em
atualizar a experiência vivida por Proust em sua Madeleine de forma consciente, com o corpo, pelo
corpo, através do corpo. Esse movimento, esse fluxo é possível devido à busca consciente da
atualização de vivências intensivas trabalhadas em estado de treinamento e vivência deve ser
entendida aqui como algo que:
[...] é trazida para fora da continuidade da vida, permanecendo
ao mesmo tempo referida ao todo da própria vida.[...] Na medida que a
vivência fica integrada ao todo da vida, este todo se torna também
presente nela (Gadamer, 2006, p. 116).
Isso significa que, segundo Gadamer, uma vivência teria a capacidade de, ao mesmo
tempo, realizar um certo desvio de fluxo da vida, mantendo nesse mesmo desvio o todo potente da
própria vida; e esse desvio vital - que contém o todo da vida - faz parte da própria vida. Uma
vivência, nesse caso, é uma experiência intensiva, vital, lançada de forma potente na duração virtual
de memória, mantendo o todo da potência vital dentro dela. Em outras palavras, vivenciamos
experiências que são acumuladas em virtuais potentes de memórias. Esses virtuais potentes de
memória contêm, em si, todo o potencial da própria vida: parte e todo como um só rizoma. Esses
virtuais de vivência intensiva, que podemos chamar de nódulos de potência virtuais ou matrizes
corpóreas (no caso do léxico do LUME), são potencialidades virtuais a serem atualizados
conscientemente no momento do estado cênico2. Treinar, portanto, significa criar a possibilidade de
vivenciar experiências intensivas, a ponto dessas experiências serem passíveis de recriação
posterior, recriando seu fluxo vital que ela, em si, já contém. Assim, a questão não é executar um
trabalho, mas vivenciá-lo, puxar esse trabalho em um limite intensivo. Claro que não estou falando
aqui de um elemento meramente mental no sentido de uma lembrança racional, mas essa vivência
fica impregnada de forma virtual no próprio corpo-memória, ou seja, não devemos entender
memória e vivência como experiências mentais ou meramente imagéticas, localizadas em um ponto
específico chamado cérebro, mas devemos entender essas vivências como vivências corpóreas,
vivências-subjéteis. Será que ainda necessitamos provar o corpo integrado? Memória é corpo, já
gritavam tantos pesquisadores teatrais. Continuemos a gritar, então...
Dessa forma ampliamos o conceito de “treinamento”: um “treinar” pode estar inserido na
ação de, por exemplo, sair às ruas e vivenciar experiências, observar os fluxos cotidianos, olhar as
relações sociais a ponto de gerar um afeto, uma experiência, uma vivência intensiva. Um ensaio
pode ser um estado de trabalho constante na busca de vivências e, é claro, o próprio estado cênico
se configura como uma fonte constante de vivências. O território do “treinar” é muito mais amplo
que um espaço-tempo destinado à realização de exercícios. O “treinar” se confira muito mais como
uma postura ética na relação com o corpo, com o espaço, com as relações sociais, com suas próprias
singularidades. Um atuador deve estar em constante treinamento ou, em outras palavras: um
performador deve estar na busca constante de fissurar seus limites de ação procurando uma potência
possível de expressão, seja em uma sala de trabalho, seja no ensaio de um espetáculo, seja dentro do
próprio espetáculo. No espetáculo se treina, assim como no cotidiano pode se encontrar estados
cênicos. O importante é encontrar potências de vivências que, em si, mantém sua força vital:
vivência como força motriz, matriz, que lançadas como virtuais potentes na memória dos atuadores
serão sua fonte inesgotável de organicidade e vida.
2 Chamo de ESTADO CÊNICO o momento específico em que o ator se encontra na ação de atuação
juntamente com o público e com todos os elementos que compõe a cena.
Bibliografia de Base
DELEUZE, GILLES e GUATTARI, FELIX. O que é Filosofia. Trad. Bento Prado Jr e Alberto
Alonso Muñoz. – Rio de Janeiro : Editora 34, 1992
------------------------------------------------------- Mil Platôs : Capitalismo e Esquizofrenia. Vol. 4.
Trad. Suely Rolnik. – Rio de Janeiro : Editora 34,1997.
DELEUZE, GILLES e PARNET, CLAIRE. Diálogos. Trad. Eloísa Araújo Ribeiro – São Paulo :
Editora Escuta, 1998.
GADAMER, HANS-GEROG. Verdade e Método I – Traços fundamentais de uma hermenêutica
filosófica. Trad. Fla´vio Paulo Meurer – Petrópolis, RJ: Vozes, Bragança Paulista, SP: Editora
Universitária São Francisco, 2005.
LÉVY, PIERRE. O Que é o Virtual? Trad. Paulo Neves. São Paulo : Editora 34, 1996
MATURANA, HUMBERTO. e VARELA, FRANCISCO. De Máquinas e Seres Vivos –
Autopoiese – A organização do Vivo. Trad. Juan Açuña Llorens. Porto Alegre : Artes Médicas,
1997.

A Cultura como inclusão social.

2011-01-15T08:06:00.000-08:00

Cultura e democracia

Coluna do Leitor 12 de janeiro de 2011 às 17:04h

Por Aluizio Belisário*

No momento em que são apresentados novos ministros – responsáveis pela definição e condução das políticas públicas setoriais a serem implementadas no país – parece interessante promover uma reflexão mais cuidadosa sobre a área da cultura, de importância fundamental em um processo voltado para a construção de uma sociedade mais justa para todos os seus membros.

Diversos aspectos ligados à cultura contribuem sobremaneira para a reprodução de uma sociedade dividida pela tecnologia, podendo se dizer que são ao mesmo tempo sua causa e consequência, pois se não podemos afirmar a existência de revoluções tecnológicas sem transformações culturais, também não podemos negar o papel da tecnologia na conformação cultural da sociedade.

É possível afirmarmos que as sociedades criam um imaginário através do qual se reproduzem, identificando o grupo social, distribuindo identidades e papéis, expressando os desejos e objetivos coletivos, de modo que todas elas se auto referenciam a partir de suas normas e valores fixados simbolicamente, como diz Pierre Ansart (Ideologias, conflitos e poder. Zahar, Rio, 1978).

Segundo o PNUD/Programa das Nações Unidas para o Desenvolvimento, cultura não pode ser considerada como um conjunto cristalizado de valores e práticas, por recriar-se permanentemente à medida que as “pessoas questionam, adaptam e redefinem os seus valores e práticas em função da mudança das realidades e da troca de ideias”.

De qualquer modo, é possível pensar-se em cultura como um conjunto de aspectos, processos, rituais, hábitos, crenças e valores que garantem o reconhecimento de uma identidade a um determinado grupo social. Infelizmente, entretanto, a cultura é quase sempre vista como propriedade dos grupos hegemônicos, que buscam a desqualificação dos setores dominados, classificando suas manifestações culturais como folclóricas, atribuindo-lhes assim, um cunho depreciativo.

Ainda segundo o PNUD é possível identificar-se duas formas de exclusão social: a do modo de vida, que nega o reconhecimento e aceitação de um estilo de vida de um grupo, ao insistir em que cada um viva como toda a sociedade e; a da participação, quando a discriminação das pessoas as coloca em desvantagem nas oportunidades sociais, políticas e econômicas em função de sua identidade cultural.

Assim, considerando a cultura como um dos elementos fundamentais, no processo de dominação e entendendo ainda que as ações do aparelho cultural, embora cumpram o papel de garantir a manutenção e reprodução da ideologia dominante e, consequentemente, da estrutura socioeconômica dominante, também podem levar ao questionamento desta estrutura de dominação, sendo evidente a necessidade de se atuar neste campo, em busca da superação das situações de dominação vigentes.

Tais observações nos levam a afirmar a necessidade de se garantir o acesso dos setores dominados ao seio da cultura da sociedade, como uma das formas de superação da situação de dominação existente, num processo que pode ser denominado de “alargamento cultural”, no qual é absolutamente necessário que os aspectos, processos, crenças, etc. destes grupos também sejam levados aos grupos hegemônicos – ou seja, o processo de alargamento cultural deve ocorrer em via de mão dupla.

O exemplo das universidades que vem utilizando o sistema de cotas de acesso para negros, que passaram a sofrer uma explicável e justa pressão para incorporarem em seus currículos conteúdos sobre a história da África e da participação dos negros no desenvolvimento da cultura do país é um forte indicativo da importância deste duplo sentido do processo de alargamento cultural.

Gramsci utiliza o conceito de hegemonia para explicar o controle do Estado burguês sobre ideias e instituições no exercício da dominação política, observando que o controle que as classes dominantes exercem sobre a classe dominada, no campo da cultura, reduz a necessidade de uso da força física, o que nos leva à afirmação de que os fatores ligados diretamente ao processo produtivo não são os únicos responsáveis pelo exercício do poder, daí a importância de se travar uma forte luta pela superação de uma situação de dominação, ao nível das ideias e das formações culturais.

É possível afirmarmos que este início de século vem se caracterizando pela ocorrência de grandes transformações de cunho econômico e social, que acenam com uma possibilidade concreta de superação do quadro de forte exclusão social, gerado por uma sociedade caracterizada por uma cultura em que as tecnologias de informação e comunicação cumprem um papel de divisoras sociais e não de integradoras.

Ao observar o mundo através de sua cultura o homem tende a considerar o seu modo de vida como o mais correto e natural. Esta tendência ao etnocentrismo pode ser responsável pela ocorrência de inúmeros conflitos sociais ao promover a discriminação dos que são diferentes, pertencem a outro grupo, etc., levando a que suas práticas culturais sejam tratadas de modo depreciativo.

Pensar em uma sociedade mais justa implica em trilhar um caminho que conduza à modernização, com base em um sistema produtivo que não se caracterize pela acumulação selvagem de capital, resultante de um processo violento de espoliação de valor do trabalho e, consequentemente, de desprezo pelo homem, mas sim, baseado em um sistema produtivo que não apenas respeite o homem como elemento fundamental desse sistema, mas principalmente, que o trate como o objetivo central do processo.

Para tal, é necessário construir uma sociedade cujo fundamento ético seja o respeito à dignidade humana, o que implica, obviamente, na adoção de políticas de distribuição de riquezas coerente com o desenvolvimento produtivo, as quais permitam à sociedade como um todo, e não apenas a uma reduzida parte desta, se beneficiar do esforço coletivo.

Falar em distribuição de riquezas evoca, inicialmente, a ideia de melhor remuneração do trabalho, distribuição de lucros e outros mecanismos econômico-financeiros. Entretanto, tais mecanismos podem ser considerados voláteis, à medida que podem se desvanecer com o tempo, enquanto que outras formas de distribuição, que se processem através da educação e da cultura tendem a ser permanentes em seus efeitos.

Daí a importância do desenvolvimento de um processo de “alargamento cultural”, no qual se destaca a necessidade de se criarem meios de acesso dos grupos oprimidos à cultura do grupo hegemônico e vice-versa, possibilitando aos primeiros, a partir do conhecimento desta cultura dominante e das interferências provocadas nesta, pela inserção de sua própria cultura, a realização de transformações sociais necessárias ao rompimento da dominação política, econômica, social e cultural.

Como, entretanto, em qualquer sociedade não é possível que um indivíduo ou grupo domine todos os aspectos de sua cultura, a participação dos diversos grupos componentes da sociedade, nas definições sobre política ou políticas culturais a serem implementadas no país, torna-se imprescindível, não apenas como garantia da real ocorrência de um alargamento cultural, mas como base de sua própria articulação com os demais membros da sociedade, o que implica na necessidade de democratização radical das ações do Ministério da Cultura, através da convocação dos diversos grupos para a discussão e decisão a respeito das políticas a serem implementadas.

*Aluizio Belisário é Professor Adjunto da UERJ. Doutor em Educação-PROPED/UERJ, Mestre e Bacharel em Administração Pública-EBAPE/FGV.

http://www.cartacapital.com.br/politica/cultura-e-democracia

Avante

2011-01-14T09:46:00.001-08:00

O corpo de todos estava dolorido. Sinto músculos que nem lembrava mais que existiam! Mas, ontem (13) estávamos lá (Adriana, Ana, Vander e eu) no CAC Walmor Chagas, para mais um dia de treinamento. E foi muito bom. Já sentimos diferença na nossa prontidão, sensações e jogo entre nós quatro. Primeiro alongamento e em seguida corda. Para melhorar a nossa observação, Ana e Dri comandaram os ritmos para o trabalho de precisão corporal meu e do Vander. Em seguida, foi a vez delas fazerem os exercícios e Vander e eu comandarmos. Incluímos o bastão para trabalhar o olhar e a dificuldade de um objeto junto ao corpo. O trabalho foi individual.
Em seguida, em conjunto, trabalhamos o bastão. Dois bastões para quatro pessoas, para melhorar precisão, entrosamento e confiança de grupo, gestos e sensação. Ontem, já foi melhor, tanto a resposta mais rápida do corpo quanto ao entrosamento, fundamental para a cena.
Começamos a ler o capítulo três de “Matéria e Memória”, de Henri Bergson, que trata “Da sobrevivência das imagens. A memória e o espírito”. Nesse texto, podemos encontrar o debate precioso entre os atores “o estar presente” em cena.
“Meu presente, portanto é sensação e movimento ao mesmo tempo; e, já que meu presente forma um todo indiviso, esse movimento deve estar ligado a essa sensação, deve prolongá-la em ação”. página 113
Por hoje é isso! Andréia

De volta as atividades...

2011-01-12T10:07:00.001-08:00

Volta ao batente

Depois de um merecido descanso, parte dos integrantes da Cia Teatro da Cidade já botou a mão na massa e iniciou no último dia 11 de janeiro treinamento corporal. Adriana, Ana, Andréia e Vander já se reuniram no Centro de Artes Cênicas (CAC) Walmor Chagas para preparação corporal, que incluiu exercícios de alongamento, precisão _utilizando corda e bastão_, e, por último, gesto e sensação, baseado em imagens dos próprios atores na peça Toda Nudez Será Castigada, que será remontada em 2011.
Os encontros, a princípio, acontecem nas terças e quintas-feiras, com pelo menos três horas de treinamento. À medida que os outros integrantes forem chegando de seus merecidos descansos serão já integrados ao treinamento. A intenção é não ter um líder para comandar o treinamento, mas sim a cada momento um integrante propor um jogo de exercício.
Amanhã (13), estaremos no CAC para mais uma etapa de treinamento físico. E por falar em CAC, estão abertas as inscrições para o Curso de Clown/Palhaço que será ministrado pelo nosso querido ator Márcio Douglas, criador da La Cascata Cia Cômica e integrante do elenco do Doutores da Alegria desde 2004.
O curso acontece em três módulos, divididos em finais de semana dos meses de janeiro, fevereiro e março.
A primeira fase será nos próximos dias 29 e 30 de janeiro, das 14h às 18h. E o segundo e terceiro módulos ocorrem nos dias 26 e 27 de fevereiro e nos mesmos dias de março, também das 14h às 18h. As inscrições devem ser feitas no site www.lacascata.com.br e o valor total do curso é de R$ 180,00.

2010-08-26T06:11:00.000-07:00

2010-06-29T14:25:00.000-07:00

2010-06-06T08:55:00.000-07:00

2010-06-04T10:23:00.000-07:00

Confira mais sobre o novo espetáculo

2010-06-01T10:35:00.000-07:00

ÚNICA APRESENTAÇÃO EM CARAGUATATUBA

2010-05-04T19:36:00.000-07:00

Luís Alberto de Abreu e o grupo mineiro Galpão prestigia "Um Dia Ouvi a Lua"

2010-04-27T07:05:00.000-07:00

‘Mais uma outra utopia’, dirão. ‘Mais uma utopia’, direi!

2010-04-21T19:12:00.000-07:00

foto: Tito Oliveira

O dramaturgo Luís Alberto de Abreu fala sobre sua pesquisa que resultou no novo espetáculo "Um Dia Ouvi a Lua" da Cia Teatro da Cidade.
De alguns anos para cá tenho-me voltado à pesquisa da mitologia num esforço de entender e, principalmente, perceber sensivelmente como as imagens arquetípicas podem influenciar nossos valores e, através disso, moldar a sociedade em que vivemos. Num rápido exame da produção cultural contemporânea mundial fica evidente que a figura central e organizadora da cultura é o herói guerreiro e os valores disseminados são os da disputa, da acumulação de riqueza e poder, do individualismo, da opressão e da guerra. Até nos jogos, sejam eles de computador ou reais como uma simples partida de futebol, a metáfora predominante é a guerra, a disputa, a submissão e a morte do oponente. Eventualmente essa metáfora extrapola de seus limites e torna-se guerra real entre torcidas rivais.
Não vou me estender sobre esse assunto, só tenho a dizer que cansei disso tudo! Na dramaturgia não me interessam mais mocinhos ou bandidos, o mesmo herói guerreiro dependendo do ponto de vista. Nem pretendo reforçar os valores do indivíduo em sua luta contra o mundo. Nem retratar a decadência e o caos desse mundo. Nada disso mais me interessa. Na dramaturgia, mais do que o herói guerreiro, interessam-me a mulher e a criança. Os valores femininos e os infantis, os valores do lúdico, da partilha, da associação, da imaginação.
Essas três histórias inspiradas em três canções sertanejas são contadas com o ponto de vista invertido. Nas canções prevalecia o ponto de vista masculino, na peça o ponto de vista é das mulheres. Não é apenas uma inversão, é uma procura. Quero descobrir a força dramática e avassaladora da resistência, da paixão, da inocência, da fragilidade. Sim, por que no mundo ainda há inocência e muita. E a simples existência desses valores num mundo cada vez mais cínico e conflagrado é um ato heróico. Quero criar heróis e heroínas apaixonados, fortes na negação da destruição; frágeis para a guerra, mas potentes para o trabalho de construção de um novo mundo.
‘Mais uma outra utopia’, dirão. ‘Mais uma utopia’, direi!
Luís Alberto de Abreu

Um Dia me convidaram pra Ouvir a Lua e eu gostei do que ouvi.

2010-04-21T16:14:00.000-07:00

foto: Tito Oliveira

Grato de coração à Cia Teatro da Cidade pela oportunidade de participar e colaborar na construção dessa poesia teatral/musical tendo ao lado pessoas tão especiais.
Embora já tendo participado de outras montagens, devo confessar que o processo vivenciado neste trabalho foi bastante desafiador e rico, primeiro pelo fato do eixo norteador se basear em três canções do nosso universo caipira, o que aumentou bastante a nossa responsabilidade musical, segundo por se tratar de um grupo ávido pelos saberes da linguagem musical e terceiro pelo tempo relativamente curto para consolidação de competências técnicas específicas do “fazer musical” recentemente descobertas pelo grupo.
Desenvolver o canto polifônico a três vozes, o domínio de instrumentos musicais, a sonorização, e ainda o domínio dos textos, posições de cena e outras responsabilidades do fazer teatral, tudo isso em praticamente quatro meses de trabalho, não é tarefa das mais fáceis. Parabéns meus amiguinhos!!!
Parabéns Ernani Malleta pela beleza e sensibilidade na adaptação coral das canções, parabéns Eduardo Moreira pela competência e espírito guerreiro e fraterno, parabéns Leopoldo Pacheco pelo cenário e figurinos, parabéns Cláudio Mendel pela dedicação obstinada ao teatro, parabéns Robson Jacqué pela preparação corporal, parabéns Vander pelo backstage.
Luiz Alberto de Abreu, você nos brinda com pura emoção e poesia, além de uma reflexão profunda sobre vida e valores. Me honra muito estar nesta contigo. E um agradecimento especial à valiosa assistência do meu parceiro André Braga.

Nosso “universo caipira” ganha mais valor através de olhares tão inspirados e competentes.

Sucesso pra todos!!!
Beto Quadros - Diretor Musical

"Um Dia Ouvi a Lua" abre para este grupo de atores da "Cia Teatro da Cidade" um novo caminho

2010-04-21T07:13:00.000-07:00

foto: Tito Oliveira

O ponto de partida para a criação do espetáculo "Um Dia Ouvi a lua" foi o "canovaccio"(roteiro de cenas) apresentado pelo dramaturgo Luis Alberto de Abreu para a”Cia Teatro da Cidade", que se propunha a abordar o universo caipira a partir da narrativa de três canções bastante conhecidas -"Adeus, morena, Adeus" (Piraci e Luis Alex, "Cabocla Tereza" (João Pacífico e Raul Torres) e "Rio Pequeno" (Tonico e João Merlini).

Nos enredos das três músicas, histórias de encontros e desencontros amorosos, contadas sempre sob o ponto de vista do olhar masculino. A idéia era inverter esse olhar e passar a protagonizar os personagens femininos - no caso, Beatriz,Tereza e Sá Mariazinha.

Como a gênese do trabalho era musical, nosso primeiro encontro se deu sob a batuta do maestro Ernani Malleta, profissional que acompanha o trabalho musical do grupo Galpão desde 1994 e que compôs várias das trilhas sonoras de seus espetáculos. A proposta foi levantar, sem nenhuma preparação prévia, arranjos vocais a capela para três vozes para as três canções, em apenas três dias de intenso trabalho. Essa primeira oficina foi fundamental para que o Ernani me orientasse na avaliação das potencialidades e dificuldades desse coletivo de atores, ávidos por se lançarem na aventura fascinante de mesclar a música ao universo do teatro.

A minha intuição me dizia que, para se abordar um universo cada vez mais esquecido e escondido nas memórias da nossa cultura, como é o caso do universo caipira, o canto coral a capela seria um elemento apropriado para criar esse tom de reminiscência.

A cena começou a ser levantada a partir do enredo das histórias narradas nas canções, através da construção de cenas e de textos escritos por mim junto com os atores. O primeiro passo era criar uma familiaridade com o universo descrito nas canções. E foi notável como, de cara, surgiu como elemento determinante o resgate do mundo perdido da infância, um mundo que insiste em nos rondar como fantasmas escondidos nas nossas lembranças e nos gestos mais profundos e reveladores do nosso dia-a-dia. Foi a partir de relatos pessoais, verdadeiros ou não, que foram surgindo histórias, personagens de tios, mães, avós, antigos amigos, cheiros, gostos, todo um mundo perdido e esquecido, que precisava ser recontado e revivido.

As brincadeiras e lembranças da infância nos remeteram quase automaticamente à utilização de determinados objetos - malas, folhas de palmeiras e uma corda. E por que esses objetos? As malas foram consequência natural da história de Beatriz, personagem que espera por um amor perdido há tantos anos, na velha estação de trem desaparecida de São José dos Campos. As folhas de palmeira e a corda, por sua vez, surgiram como instrumentos de brincadeiras infantis como esconde-esconde, montar a cavalo, cabo de guerra, pular corda,corda bamba,etc.

Montada a partir desses elementos uma primeira versão da peça, retomou-se o diálogo com o olhar dramatúrgico do Abreu que, ao assistir o resultado do trabalho, aproveitou uma série de elementos, ao mesmo tempo em que sugeriu novas leituras, que imprimiram mudanças no rumo da encenação.O diálogo entre a cena e a dramaturgia foi um dos elementos mais estimulantes e desafiadores do processo do trabalho, nos colocando diante de indagações e questionamentos constantes sobre a natureza da narrativa no teatro e sobre a postura do ator narrador.

Não poderia deixar de mencionar nesse processo essencialmente coletivo de criação, a colaboração fundamental de profissionais, que foram essenciais não só no levantamento da estrutura do espetáculo, como também na tentativa de oferecer respostas práticas às indagações e dúvidas a que o trabalho nos impunha. Em primeiro lugar e cerne do teatro, os seis atores que, com paciência, perseverança, generosidade e espírito de luta são os pilares do trabalho, depois, Claudio Mendel, co-diretor, conselheiro e bússola da caminhada, além das colaborações fundamentais de Beto Quadros e André Braga na criação e preparação musical, Robson Jacque na preparação corporal e Leopoldo Pacheco, na criação de figurinos e cenário.

Creio que "Um Dia Ouvi a Lua" abre para este grupo de atores da "Cia Teatro da Cidade" um novo caminho que está apenas começando a ser percorrido.Uma trilha inesgotável de novos aprendizados e experiências certamente estarão por vir, renovando em nós o desafio permanente de busca por um teatro que nos reinvente e nos coloque sempre como aprendizes curiosos e ávidos diante daquilo que não sabemos e que está sempre por se realizar.

Eduardo Moreira - diretor do espetáculo Um Dia Ouvi a Lua, fundador e integrante do grupo Galpão de Belo Horizonte

clique aqui e conheça mais sobre o diretor

Diretor da Cia Teatro da Cidade fala sobre a nova fase do grupo

2010-04-20T07:36:00.000-07:00

foto:Tito Oliveira

Desde 1990, quando criamos, em São José dos Campos, o então “Grupo Teatro da Cidade”, tínhamos em mente a possibilidade de manter na cidade um grupo de pessoas que pudessem se dedicar ao estudo e pesquisa do teatro, tendo como principal objetivo o desenvolvimento de espetáculos a serviço da formação de público e exercício do conhecimento adquirido.
Hoje, ao completarmos 20 anos de trabalho, aprendemos finalmente a “ouvir a lua” e estamos coroando essa iniciativa e presenteando o público, com o segundo espetáculo que fala sobre nossa cultura e nossos costumes e com a grata contribuição de Eduardo Moreira na direção que, de forma generosa, está nos repassando os conhecimentos e experiências adquiridas na sua trajetória dentro do Grupo Galpão, talvez o mais conceituado coletivo de teatro de todo o país.
“Um Dia Ouvi a Lua” reúne importantes profissionais, como nossos amigos Beto Quadros e André Braga na batuta musical. Robson Jacqué nos exercícios e conscientização corporal do elenco e o competente ator, cenógrafo e figurinista Leopoldo Pacheco.
Com esse time e a competência de um elenco que resistiu ao impacto de um novo ritmo de trabalho, teremos com certeza mais uma década de temporada com esse novo espetáculo especialmente escrito por Luís Alberto de Abreu, como já o fizemos com o seu texto anterior “Maria Peregrina” em cartaz desde 2000.
Abreu é assim um mago da dramaturgia nacional e por isso mesmo, de uma generosidade indescritível. Prontamente aceitou a tarefa de nos escrever um texto para a comemoração de 20 anos da Cia Teatro da Cidade e com isso, se dispôs a vir rotineiramente a São José dos Campos para ver e rever os ensaios, escrever e reescrever o texto, apontar caminhos, discutir propostas da encenação...
Por tudo isso, a lua, com certeza, terá muitos segredos para dividir com o público, porque ao ouvirmos a lua, nos descobriremos e conheceremos melhor uns aos outros. E isso, é verdade!
Claudio Mendel- Diretor da Cia Teatro da Cidade e Co- diretor do espetáculo 'Um Dia Ouvi a Lua'

UM DIA OUVI A LUA EM CENA

2010-04-18T10:47:00.000-07:00

fotos: Tito Oliveira

PRÓXIMAS DATAS DE APRESENTAÇÃO DO ESPETÁCULO "UM DIA OUVI A LUA"

2010-04-18T08:57:00.000-07:00

foto: Tito Oliveira

AGENDA

Dia 29, 20h30

Teatro Municipal de São Sebastião

Rua Altino Arantes, 2, centro Histórico da cidade

Dia 30, 20h30

Auditório de Paraibuna

Praça Monsenhor Ernesto A. Arantes, 64, centro

Dia 7/5, 20 h

Auditório Maristella de Oliveira

Rua Santa Cruz, 396, centro, Caraguatatuba

CONFIRA MATÉRIA DO ESTADÃO SOBRE O NOVO ESPETÁCULO DA CIA TEATRO DA CIDADE

2010-04-18T08:50:00.000-07:00

'Um Dia Ouvi a Lua', peça de Luís Alberto de Abreu
Autor encontra em São José dos Campos parceiros para experimentar novos rumos na sua arte
foto: Tito Oliveira
por BETH NÉSPOLI - O Estado de S. Paulo

À primeira vista parece imensa a ambição de Luís Alberto de Abreu. Poeta dos palcos, ele atingiu aquele ponto da carreira em que poderia tranquilamente usufruir as conquistas adquiridas e serenamente tirar proveito de sua maestria no manejo das palavras criando peças no conforto do já sabido. Porém, esse autor de dezenas de textos, entre eles O Livro de Jó, do Teatro da Vertigem, e o roteiro adaptado da minissérie Hoje É Dia de Maria, quer mais. Sua inquietação o leva a arriscar-se na experimentação de novos rumos para sua arte.

Atrizes em cena da peça escrita especialmente para a Cia. de Teatro da Cidade
Abreu persegue uma mitologia capaz de renovar estruturalmente sua dramaturgia, quiçá além dela. Busca tomar como base outros arquétipos em substituição ao herói guerreiro, competitivo e individualista, "figura central e organizadora da Cultura", como ele define (leia ao lado). Gostaria de ver atuando sobre a sensibilidade dos espectadores protagonistas, cuja força estivesse fundada em valores femininos ou infantis, como a fragilidade e a imaginação.

Utopia? Sim, ele sabe o grau de dificuldade da tarefa que se impôs. "Não concordo que a ambição seja sem tamanho, mesmo porque não creio que seja só minha, nem eu daria conta sozinho dela. Não é a fundação de outra mitologia, mas sim uma procura por colocar à luz os valores e as imagens femininos soterrados por cinco milênios de tradição patriarcal. Não é fácil, é certo. A mitologia das culturas agrárias matrilineares do neolítico não foi escrita e muito dela se perdeu e foi modificada e usurpada pelo patriarcado", diz Abreu.

Mas encontrou um grupo disposto a iniciar o que promete ser, para Abreu, uma longa aventura. E na noite de quarta-feira, às vésperas do feriado de Semana Santa, o Estado foi até São José dos Campos acompanhar a estreia de Um Dia Ouvi a Lua, texto em que esse autor experimenta a inversão dos valores do ‘macho adulto branco sempre no poder’, a partir das narrativas de três composições muito conhecidas do cancioneiro popular brasileiro (veja abaixo) recriando-as do ponto de vista feminino.

Ritos. A história da primeira canção, Adeus, Morena, Adeus, do violeiro que prefere seguir errante a casar-se, é abordada do ponto de vista das crianças que observam ‘a louca da estação’, a mulher presa ao passado. Não há ‘virada de jogo’, o que o autor expõe é a dor causada pelo cumprimento do ritos masculinos, não só no casal, mas também no pai cumpridor do dever de ‘surrar’ a filha. Na segunda, Cabocla Tereza, a mulher igualmente não escapa de seu fim, mas ainda que ‘morta’ ela aparece altiva, ganha voz e conta seu trágico fim de seu ponto de vista, com seu matador já transformado em penitente. E é só na última história, Rio Pequeno, que a intervenção vem forte.

A menina sai da casa do pai no cavalo do amado, mas no caminho observa a violência masculina na forma de esporear o cavalo e foge, não por acaso, para o mato. Ali faz sua individuação. O homem a reconquista não pela força, mas justamente por ‘deixar escapar’ sua fragilidade.

Pouco antes de subirem ao palco para cantar essas canções numa roda de viola - espécie de prólogo de Um Dia Ouvi a Lua -, os intérpretes preparam-se diante do espelho no camarim do Sesc de São José. É evidente o entusiasmo das quatro atrizes e dois atores da Cia. Teatro da Cidade, fundada e dirigida por Claudio Mendel, que comemora 20 anos de existência e acaba de ganhar de presente da irmã de Andréia Barros, uma das atrizes fundadoras, uma espaçosa sede na cidade.

Um Dia Ouvi a Lua é uma criação especial de aniversário. Há dez anos, Abreu havia escrito um dos maiores sucessos da companhia, Maria Peregrina. Daí o convite para ele escrever o texto de um projeto apoiado pelo Programa Estadual de Apoio à Cultura (Proac) e intitulado Universo Caipira - As Histórias Que o Vale Conta. "É aquela máxima de que a gente pode falar ao mundo a partir de nosso quintal", observa Mendel.

O grupo convidou ainda para a direção do espetáculo Eduardo Moreira, ator e diretor fundador do grupo mineiro Galpão, o premiado Leopoldo Pacheco para criar figurinos e cenografia e o compositor Beto Quadros para a direção musical e preparação dos atores. Havia um desejo de dar um salto de qualidade. "Se a gente repete o que deu certo, vira fórmula", diz Mendel. Mas não esperavam tantos desafios.

Beleza. Abreu trabalhou em processo colaborativo, ou seja, os atores criavam cenas e ele escrevia o texto aos poucos, a partir do material proposto. Porém, como ponto de partida, entregara um canovaccio, um argumento, já com a proposta da inversão sobre as três canções. "Eduardo Moreira propôs trabalhar a partir de brincadeiras de crianças, ideia que Abreu pegou com rara felicidade", diz Mendel. A beleza visual do espetáculo, a ambientação sonora, a delicadeza do canto (que vem até a capela num dado momento e chega a ser realizado a três vozes) e a bem-sucedida apropriação da prosa poética de Abreu mostram que o grupo atinge novo patamar de aprimoramento com esse espetáculo. Depois de circular pelo interior de São Paulo, deve chegar no segundo semestre à capital.

"Ao abandonar a trajetória do herói, eu abandono também uma forma dramática tradicional, mas a forma dessa ruptura ainda não sei qual é. Estou flertando com o teatro nô. Este espetáculo tem muito de inspiração do nô, não o nô formal, mas da essência dele." É conferir esse e aguardar os próximos.

ACESSE: http://www.estadao.com.br/noticias/arteelazer,um-dia-ouvi-a-lua-peca-de-luis-alberto-de-abreu,537855,0.htm#bb-md-noticia-tabs-1

Grupo comemora sucesso de pré-estréia com companheiros e convidados em jantar no Restaurante Funil

2010-04-03T23:50:00.001-07:00

fotos: Tito Oliveira

Ingressos esgotados para a pré-estréia de Um Dia Ouvi a Lua

2010-04-03T23:50:00.000-07:00

Bilheteria do Sesc de São José dos Campos tem ingressos esgotam para a pré-estréia do espetáculo "Um Dia Ouvi a Lua", o que resulta em uma apresentação extra, que por sua vez, também lota o teatro.

fotos: Tito Oliveira

Um Dia Ouvi a Lua - Um espetáculo de superações: uma metaphorai poética

2010-04-01T13:38:00.000-07:00

foto: Tito Oliveira
por Alexandre Mate
Ao completar 20 anos (o que já é difícil em qualquer metrópole brasileira), a Cia. de Teatro da Cidade, de São José dos Campos, comemora a data com trabalho: e que trabalho!
Juntando uma “brava gente brasileira”, a Cia. que passou por tanta dificuldade ao longo de tão significativa fatia de tempo, presenteia, por enquanto, a população joseense com mais um arrebatador texto de Luís Alberto de Abreu: Um dia ouvi a Lua.
O texto de um dos maiores dramaturgos do teatro brasileiro, Abreu, constrói-se por entre as paredes da memória, trazendo por intermédio da voz pretérita: imaginada, inventada, sonhada, vivida, partilhada a narrativa de três mulheres, habitantes do alhures-ali-pertinho São José dos Campos e cercanias. Mulheres plasmadas em um mundo de machos que matam para cumprir uma esvaziada tradição. Mulheres cujos discursos das avós reaparecem nas bocas das netas intentando a imaginação e tantas existências, nas quais a dialética popular abarca tanto o saber como o mistério na mesma e exata proporção. Universo caipira povoado por assombrações; universo no qual as-sombras-são, por tantos mistérios, constituintes de um bocado de tanto imaginar.
Mais uma vez, o grande mestre Luís Alberto de Abreu transita, assim como nossa potência imaginativa: que não é cartesiana nem linear, com um texto construído por diversas historicidades. Na dialética da memória, temperada pelo lembrar e pelo esquecer, crianças costuram cenicamente as narrativas, em cujo trabalho de criação de imagens, embaçando o que é hoje-ontem-agora... recebem - como se esperaria que acontecesse - um tratamento de direção com mão carregadas de afeto, por Eduardo Moreira, acompanhado, na condição de fidelíssimo escudeiro, por Claudio Mendel.
Os desenhos de cenas são lúdicos, correspondem grandemente aos modos como as crianças-crianças, os adultos-crianças ou os velhos-crianças - extasiados pelo viver - colocam-se em tantos palcos... Sem que se tenha uma percepção imediata, o espetáculo remete ao ancestral: cores explodem, folhas de palmeiras mostram e escondem, divertem e se refuncionalizam. Pronto, tudo conflui para a aprensão sensível e emocionada da obra. Por meio dela e da entrega sensível, remete-se àquelas fatias de vida, individuais e coletivas em que o viver, superando tantas dificuldades apontava o viver intenso e feliz como uma tarefa necessária. Nesse particular, o movimento de circularidade do texto, que traz uma “tempestade e mansidão de que é feita o querer”, apresenta a trajetória de três mulheres, mas a última delas, ao reencontrar-se consigo mesma, por meio de todas as mulheres de que é feita, concede-se o viver partilhado. A sensibilidade do diretor conseguiu criar um conjunto de imagens lúdicas: o esconde-esconde dos meninos; o jogo da amarelinha das meninas; o ir e vir dos seis atores e personagens, em movimentos perpendiculares, tendo o limite da boca de cena; da corda... Criam uma poesia sinestésica: o sensível se deixa ser levado para dentro da memória pessoal, que é coletiva e que está dentro de uma história que contem outra e mais outra e mais ainda outra histórica: sinestesia emocional e circulante.
O espetáculo resulta de um bem urdido conjunto de criadores: nele pode-se ouvir de modo emocionado, feito canto orado, em tantas e esplendidas vozes, afinadas por um grande mestre Beto Quadros. Canções ancestrais, conspiram e conseguem, sem qualquer esforço, atravessar as paredes de vento e contaminar o espírito, remetendo ancestralmente à infância. Sinestesia das palavras e canções em um período da vida em que a fé não tinha pouso no abstrato, na superioridade inalcançável, mas na alegria trazida pelas relações partilhadas.
Por conhecer o grupo e seus integrantes, por já ter assistido a quase todos em espetáculos anteriores, não tenho dúvida: trata-se do melhor trabalho de cada um deles. Há em cada ator e atriz “aquele brilhos nos olhos de quem está inteiro e intenso”. Andréia Barros, já vista em tantos espetáculos anteriores, continua generosa e abrigante... Penso que a desmemoriada Maria Peregrina, texto de Abreu montado anteriormente pela Cia., retoma a grandeza e potência de Andréia Barros, que partilha com o elenco o parto da cena. Os seis atores, a exceção de um ou outro momento - de cenas que ainda carecem de certa afinação - estão muito bem: como disse é o melhor trabalho de cada um daqueles que já havia visto em cena.
Em algumas cidades da Grécia os transportes coletivos são chamados de metaphorai (metáforas). Uma metáfora corresponde a uma transposição de sentidos, fala-se algo, mas pode se referir a outra coisa. Dessa forma, assim como se toma um ônibus e, sem que o sujeito saia do assento que ocupa, é possível transpor lugares, espaços, territórios diferentes... Um dia ouvi a Lua caracteriza-se em uma surpreendente metáfora cênica: sentei-me na F-16, do teatro do SESC de São José dos Campos mas, mesmo sem ter saído da cadeira, o espetáculo transportou-me para tantos de meus passados lugares.

Evoé? Evoando...

Alexandre Mate
01/04/2010 (sem qualquer alusão à mentira).

ATORES E DIRETOR DA CIA TEATRO DA CIDADE COM OS COMPOSITORES NILTON BLAU E KARDEC (DE AZUL)

2010-03-31T23:50:00.000-07:00

Os compositores Nilton Blau e Kardec Gonzaga prestigiam a pré - estréia do espetáculo "Um Dia Ouvi a Lua" no Sesc de São José dos Campos e recebem homenagem do grupo no palco.

Nilton Blau é responsável pela música 'Folia do Limoeiro' e Kardec Gonzaga por 'Folia de Reis', canções utilizadas na atual montagem e que foram gentilmente cedidas por ambos para serem utilizadas no novo espetáculo.

fotos: Tito Oliveira

Estréia de "Um Dia Ouvi a Lua" ganha matéria no Jornal Vale Paraíbano

2010-03-31T09:54:00.000-07:00

PRÉ ESTRÉIA " UM DIA OUVI A LUA" NO SESC DE SÃO JOSÉ DOS CAMPOS

2010-03-31T08:27:00.000-07:00

fotos: Tito Oliveira

MAKING OFF - ESPETÁCULO "UM DIA OUVI A LUA"

2010-03-31T08:00:00.000-07:00

fotos: Tito Oliveira

2010-03-30T12:28:00.000-07:00

Renato Ferracini ministra workshop "Mímesis Corpórea" para a Cia Teatro da Cidade

2010-03-28T22:50:00.000-07:00

A Cia Teatro da Cidade recebe em sua programação de pré-estréia do espetáculo Um Dia Ouvi a Lua, o workshop do ator e pesquisador Renato Ferracini do grupo Lume de Campinas - SP. O workshop foi realizado no Sesc de São José dos Campos e foi aberto ao grupo e aos atores interessados da região.
O workshop de Renato Ferracini teve como tema norteador a 'mímesis corpórea'- uma metodologia de coleta de material físico/vocal orgânico através da observação, codificação e teatralização de ações físicas e vocais de pessoas, animais, fotos e quadros encontradas no universo cotidiano e/ou pessoal do ator. Esse workshop busca introduzir o ator no universo dessa observação artística e poética do cotidiano, iniciando pelos trabalhos pré-expressivos básicos que o instrumentalizam no "como" e "o que" observar e posteriormente o trabalho em sala para que a observação possa ser codificada de maneira orgânica pelo ator, transformando-a em seu material expressivo e poético de trabalho.

fotos: Tito Oliveira

Clique aqui para conhecer mais o trabalho de Renato Ferracini

CAMARIM DO NOVO CAC É PALCO DE EXPERIMENTOS E CONCEPÇÃO DE MAQUIAGEM - POR LEOPOLDO PACHECO

2010-03-28T18:21:00.000-07:00

2010-03-28T18:14:00.000-07:00

2010-03-28T18:05:00.000-07:00

2010-03-28T18:02:00.000-07:00

CAMARIM DO NOVO CAC É PALCO DE EXPERIMENTOS E CONCEPÇÃO DE MAQUIAGEM - POR LEOPOLDO PACHECO

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